En este grupo En todos

Grupo de Fotografía y edición



Que se requiere para una buena composición fotográfica.

MARIAN
Escrito por MARIAN
el 19/09/2011

Saber mirar es algo que resulta difícil en fotografía pero a la vez indispensable para obtener buenas imagenes. Para ello se requiere sobre todo; "APRENDER A MIRAR"...

La composición de una fotografía es un arte... Y como tal no existen reglas ni limitaciones que hagan que una determinada composición sea mejor que otra; no obstante, basándose en los elementos comunes conocidos respecto al modo en que los seres humanos percibimos y subjetivizamos las imágenes se han documentado una serie de guías que todo fotógrafo debería conocer y tener en cuenta para mejorar la transmisión de los elementos objetivos y subjetivos del tema y motivo de la imagen al espectador.

Aunque las normas en fotografía estén para saltárselas, cuando uno lo crea oportuno, existen unas reglas que ayudan a dar expresividad a una fotografía.

Entre dichas normas están las relativas a profundidad o perspectiva, detalle, punto de vista, tamaño y escala, textura, forma y situación. Factores que forman un todo en la foto. No todos tienen que estar presentes en cada fotografía, pero los que participen en cada una concreta, deben hacerlo de manera conjunta.

Lo expresivo de una foto, no son los detalles, sinó su efectismo, el cual no puede tener el mismo significado para todo el mundo, porque las personas no son todas iguales, pero si es efectiva, siempre encontrará personas que sabrán valorarla en su significado.

Otro de los factores más importantes que conforman el conjunto de la fotografía, es la composición, selección y disposición de sujetos, en el área de la imagen fotográfica, dando como resultado la capacidad para comunicar algo.

Componer es organizar las formas dentro del espacio visual disponible, con sentido de unidad, de forma que el resultado sea armonioso y estéticamente equilibrado.

Componer es igual a crear. La mayor parte de las buenas fotografías han sido creadas, por tanto, si se quieren crear fotografías hay que familiarizarse con algunos principios de la composición.

La verdadera fuerza de una buena imagen radica en la combinación de un motivo y una composición vigorosa; lo que se decide dejar fuera de la imagen es tan importante como lo que se incluye en ella.


Elementos y herramientas básicas de la composición

El ser humano cuando percibe una imagen suele hacerlo de una determinada forma y en un determinado orden; además, existen ciertos aspectos en una imagen que ayudan a captar en general la atención del cerebro y que suelen evocar ciertas sensaciones o sentimientos.

Cuando se compone una fotografía que pretenda ser algo más que una instantánea de un hecho, es decir, cuando se pretenden transmitir sensaciones o resaltar ciertos mensajes con una fotografía es preciso conocer cómo funcionan estos mecanismos de la percepción del ser humano de cara a aplicar las técnicas oportunas para transmitir lo que deseamos. En cierto modo, se puede decir que la composición es como un lenguaje subliminal para transmitir sentimientos a través de las imágenes.




Algunos elementos con los que se puede jugar en la composición son:

  • La atracción de la atención hacia el centro de interés, el motivo de la imagen.
  • La textura y sensaciones de tacto que puede evocar la imagen.
  • La forma y el volumen de los objetos, así como la sensación de profundidad de éstos en la escena.
  • El contraste como elemento de atracción y resalte: contraste en el tono, el tema, los motivos,...
  • La fuerza del color o su ausencia.


Para trabajar estos elementos, para modelar y transmitir mensajes en este lenguaje visual, el fotógrafo tiene a su disposición múltiples herramientas:

  • Encuadre del motivo y su entorno
  • Colocación de los objetos dentro del encuadre
  • Enfoque total o selectivo
  • Perspectiva y ángulo de la toma
  • Iluminación de la escena
Vanybel Mar
Experto: interpretación teatral
Escrito por Vanybel Mar
el 19/09/2011

Felicitaciones Mariangélica, por la creación de éste grupo, no sé mucho de éste arte pero espero aprender. Por lo pronto, muy buena explicación la que nos compartes.
Felicidades y te deseo MUCHO ÉXITO!
Un abrazototote!

Laura
Escrito por Laura
el 19/09/2011

Opino lo mismo que Vany intentaré aprender de todos ya que es una materia que me fasina y pienso que se valorar bien una buena fotografía.

Te deso lo mejor en éste espacio y estaré pendiente de lo que ocurra e intentaré subir fotos mias al grupo, un abrazo y beso compi

MARIAN
Escrito por MARIAN
el 19/09/2011

Las 13 Reglas de Composición Fotográfica Fundamentales que Deberíamos Conocer :


1. Identifica el centro de interés

centro de interes Cada fotografía tiene (o debería tener) un centro de interés. ¿De qué es la foto? ¿Es una fotografía de tu novia? ¿Es una fotografía de las pirámides de Egipto? Debería ser obvio para cualquiera que mire una fotografía saber de qué es la foto. Es lo que se denomina el centro de interés.

Aunque se denomine centro, el centro de interés no tiene que ser necesariamente el objeto que esté en en el centro de la foto ni ser el objeto que ocupa la mayor parte de la imagen.

Es la primera regla de una buena composición, ya que es la más importante. Simplemente decide antes de disparar el motivo sobre el que quieres tomar la fotografía. Todo lo que hay que hacer a partir de ahí es enfocar el elemento sobre el que queremos centrar el interés.


2. Rellena el encuadre (Fill the frame)

Esta regla puede parecer bastante obvia, pero lo cierto es que muchas veces fallamos al aplicarla. Si queremos contar algo en una foto, ocupemos la mayor parte con ese "algo", asegurándonos que se convierte de este modo en el centro de atención. Además, de este modo eliminamos posibles elementos que resten atención.

Es un fallo demasiado común el querer sacar demasiadas cosas en una única foto. Al final, lo que conseguimos es que no quede demasiado claro qué es lo que queríamos enseñar. Ante la duda de si algo debe salir o no en la foto, quitalo.


3. Apóyate en las líneas

lineas Las líneas son un elemento de importancia vital en las artes visuales. Las líneas nos aportan formas y contornos. Con las líneas dirigimos la mirada del espectador de una parte de la foto a otra.

Cuando vayas avanzando en el mundo de la fotografía podrás comprobar cómo las líneas son uno de los elementos más eficaces a la hora de dirigir la mirada de quien contempla nuestras fotos hacia donde queremos que mire. Las líneas horizontales, verticales y diagonales son elementos compositivos que aportan significado a las imágenes.

Un tipo especial de líneas son las líneas convergentes. Son las líneas paralelas que, por el efecto de la distancia, acaban convergiendo en un mismo punto.


4. Trabaja el flujo

Después de las líneas, podemos tratar el flujo. El flujo es el modo en el que la mirada del espectador se desplaza de una parte de la fotografía a otra. Una manera de definir el flujo de una fotografía es mediante el uso de líneas. Pueden ser horizontales, verticales, diagonales, convergentes o divergentes. A veces el flujo creado por las líneas es nítido y claro, como los laterales de un edificio que convergen hacia el cielo), o pueden ser menos obvias. Sin embargo, la mirada del espectador debería ser capaz de recorrer los elementos de una parte a otra de la imagen.

El flujo crea la ilusión de movimiento (o ausencia de movimiento si se desea). Las líneas diagonales se consideran generalmente más "dinámicas", mientras que las líneas horizontales y verticales se consideran más "estáticas". Un equilibrio cuidadoso de elementos estáticos y dinámicos dará un sentido global de movimiento a tus fotografías.


5. Juega con la dirección

direccion La dirección es similar al flujo. También crea la ilusión de movimiento. Si hay algo en la fotografía que parezca estar en movimiento, tiene una dirección en la que se mueve.

Un ejemplo de esto son las luces de peatones de un semáforo. Cuando está en rojo para los peatones, la figura representa un peatón inmóvil, con las piernas juntas y los brazos bajados. Visualmente, no tiene ninguna apariencia de estar en movimiento. Sin embargo, la figura del peatón en verde que permite cruzar tiene una dirección en la cual se está moviendo. La dirección en fotografía se puede cerar de muchas maneras. Una figura a punto de cruzar una calle puede transmitir movimiento aunque la veamos estática y no se muevan sus brazos y sus pies, porque podemos imaginarla un segundo después cruzando la calle. Del mismo modo, un coche que aparece cortado en el lado izquierdo de una fotografía en la que solo se ve su parte delantera, podemos imaginarlo un segundo después al lado derecho de la foto.


6. Los elementos repetidos

elementos repetidos La repetición de algún elemento (unos globos, unos pájaros), dan un sentido de relación de distintas partes de una imagen.

Por ejemplo, una bandada de pájaros pueden estar moviendose en grupo por el aire, definiendo formas interesantes en el cielo y añadiendo información sobre la dirección de la fotografía.

En algunas ocasiones puede aportar factores psicológicos, como el sentido de la unión y el compañerismo.


7. Los colores siempre dicen algo

Existen dos tipos de colores, los cálidos y los fríos.

Los rojos, naranjas y amarillos forman parte de la gama de colores cálidos.

colores Los azules, verdes y violetas forman parte de la banda de colores fríos.

Existen muchos elementos psicológicos ligados a los colores. Por poner un ejemplo, los azules se consideran colores tranquilos, mientras que lo rojos son más temperamentales. Existe mucha literatura al respecto de la psicología del color, por lo simplemente resumiremos que el color tiene una importancia determinante en la composición.

En materia de colores hay que prestar atención también al contraste. El contraste se define como la diferencia de luminosidad entre las partes más claras y más oscuras de nuesta foto.


8. El interés de los grupos de tres

grupos de tres Parece existir una percepción especial de los números impares en fotografía, y en especial de los grupos de tres elementos.

Un único elemento puede transmitir soledad o aislamiento, con dos elementos una foto puede quedar demasiado bien equilibrada y estática, y cuatro elementos pueden resultar demasiados para distribuir.

Por algún motivo que no se explicar, a las personas nos gusta el número 3. En fotografía suele funcionar la agrupación de tres elementos como centro de interés.


9. La regla de los tercios

r7 Ya escribimos un artículo que explicaba la regla de los tercios con más detalle. Si nos fijamos en obras de arte en cualquier museo, podremos comprobar que si dividimos un cuadro en cuadrículas de igual tamaño de 3x3, las cuatro intersecciones de las cuadrículas dentro del cuadro marcan los puntos de interés.

Trazando esta cuadrícula imaginaria sobre la mayoría de las obras nos daremos cuenta de que elementos fundamentales del cuadro recaen sobre esas intersecciones: ventanas y puertas, ojos, líneas de horizonte, picos de montañas,... Está comprobado que llevando nuestro punto de interés a uno de esos cuatro puntos conseguimos una imagen mucho más interesante.

En este sentido, reseñar que existen cámaras que permiten visualizar en su LCD una rejilla ( grid en inglés) para trabajar con los tercios, por lo que os animo a que reviseis el manual de vuestra cámara si considerais que os puede ayudar a la hora de mejorar la composición.


10. El espacio negativo

espacio negativo Se considera espacio negativo los grandes espacios vacíos, normalmente en blanco o negro, dentro de una fotografía, normalmente a un lado.

El alejamiento del elemento central de la imagen, rellenando el resto de la foto de un espacio vacío nos permite transmitir una información adicional de soledad, aislamiento o calma a la imagen.

Aunque no es un recurso que vayamos a utilizar habitualmente, no está de más conocerlo. Está enfrentada a la regla de composición consistente en rellenar el encuadre comentada más arriba en este mismo artículo.


11. Trabajando las tres dimensiones: frente y fondo

frente - fondo El contenido del frente y del fondo de una foto es importante. Tanto en el fondo como en el frente tienen aplicación otros elementos compositivos como los colores o las líneas.

Lo importante en el frente y en el fondo es que no haya demasiados detalles que puedan distraer la vista del espectador del centro de interés.

La mejor herramienta con la que contamos para marcar la diferencia entre el frente y el fondo de nuestras fotos es la profundidad de campo. Gracias a la apertura del diafragma que utilicemos a la hora de hacer fotografías, conseguiremos mayor o menor nitidez en el fondo.


12. El enmarcado natural

enmarcado Existen elementos que pueden ayudar a poner un marco al centro de interés de la foto.

Algunos de estos elementos son muy claros, tapando completamente parte de la foto, como puertas, ventanas o puentes.

Otros actúan de una forma menos clara, simplemente orientando nuestra vista. Es el caso de las señales de tráfico o las ramas de los árboles,...

Cualquier elemento que "encierre" el centro de interés nos permitirá enmarcar la foto, dirigiendo la atención hacia el elemento deseado.


13. Las curvas en S

curvas en S Las curvas en "S" son un elemento muy recurrente en fotografía. Está relacionado con la sensualidad. También transmiten moviento y ayudan a conducir la mirada.

En la vida cotidiana encontramos muchos recursos que nos permiten aplicar curvas en "S" en nuestras fotografías. Una carretera, un camino, el curso de un río,... Son elementos visuales muy potentes que dan interés a la fotografía.


Artículo: Blog de Fotografía de dZoom

Laura
Escrito por Laura
el 20/09/2011

La fotografia del Sol y eclipses

Este es probablemente el único peligro en astronomía: si observas el Sol a través de binoculares o telescopio, puede dejarte ciego para siempre.

Tampoco es posible verlo durante un eclipse, salvo los minutos en que está en eclipse total.

Siempre que veas el Sol debe ser con filtros. Si usas uno delante del objetivo, con cuidado que cubra toda su superficie (cualquier luz que pase sin atravesar el filtro, aunque sea mínima es peligrosa). Son muy útiles los filtros de soldador (al menos de densidad 20), o película velada blanco y negro, La película velada color NO SIRVE, porque a pesar de que es oscuro para la luz visible, es totalmente transparente para el ultravioleta. Puede usarse también radiografías muy oscuras. Todo esto es en el caso de usar la cámara con teleobjetivo solamente, no con telescopio- Para usar telescopios deben usarse filtros especiales, ya que la cantidad de luz de captan es demasiado alta.
















Como siempre la práctica y el anotar lo hecho es fundamental, ya que las posibilidades son tantas, que podría decirse que cada evento es diferente. A veces el Sol esta alto y despejado de nubes, a veces tiene un velo de nubes, a veces esta bajo sobre el horizonte. Las posibilidades son muchísimas. Inclusive a veces cuando el Sol está muy bajo sobre el horizonte, es posible fotografiarlo sin filtros. (no más de dos grados de altura).

Recordá también revisar, de ser posible el día anterior, que no haya nada que tape lo que queres fotografiar. Es importante que durante el transcurso del fenómeno nada te tape. No hay nada peor que tener que desplazarse cuando ya estas instalado con todo para trabajar, por un árbol o edificio molesto.

Fotografia de estrellas

Esta es la técnica más difícil de todas, porque deberemos usar todos los consejos e instrumental descriptos anteriormente.

Como lo que vamos a fotografiar es débil, vamos a usar película rápida, diafragma abierto, y la exposición es el problema ¿Cuál es la correcta?.

Primero debemos ver algunos detalles. La fotografía es diferente del ojo humano. Una persona, en una noche, ira viendo cada vez mas estrellas porque el ojo va acostumbrándose a la oscuridad. Pero a la media hora no habrá mas ganancia. En cambio la fotografía acumula luz. Cuanto mas tiempo se la deja, objetos mas débiles captará, y mucho mas rápidamente que nuestros ojos.

En otras palabras, lo ideal es dar la exposición mas larga posible. ¿Cuál es el limite? Hay dos: si estas en una ciudad, el fondo del brillo del cielo es grande (no se ve negro sino grisáceo). Eso significa que si das una exposición larga en una ciudad, saldrá lechosa (se dice que está 'quemada'). En el campo ese problema no existe. Pero hay otro limite: la Tierra esta rotando, por lo que si la exposición es muy larga, las estrellas aparecerán como líneas y no como puntos. Aunque puede ser una interesante foto artística como esta, normalmente uno quiere que las estrellas sean puntuales. Esto impone un limite de la exposición. Obviamente si usas teleobjetivo, la exposición tiene que ser menor aun, porque el desplazamiento sale mas grande.


Hola Angela y debate, te traje un documento que para mí sin duda es realmente bueno ya que siempre que he intentado sacr una foto del Sol o de un arco iris, nunca terminaban de quedarme del todo bien. Sigo leyendo todo lo que vas subiendo. Un beso











MARIAN
Escrito por MARIAN
el 25/09/2011

La Regla de los Tercios.


La Regla de los Tercios es una de las reglas más básicas de composición fotográfica. Quien más y quien menos la ha oído mencionar alguna vez, aunque es posible que no tengas claro del todo lo que significa. En las siguientes líneas te explicamos en qué consiste la regla de los tercios, y como aplicarla para mejorar drásticamente tus composiciones fotográficas. Tus fotos nunca volverán a ser iguales una vez entiendas qué es y cómo funciona.

La regla de los tercios es, probablemente, el primer recurso compositivo que uno aprende en fotografía. Y probablemente también, es el primero en aprenderse por lo sencillo de aplicar a la vez que efectivo en sus resultados.

La regla de los tercios es un medio simple de aproximación a la proporción áurea, una distribución del espacio dentro de la imagen que genera una mayor atracción respecto al centro de interés.

La regla de los tercios consiste en dividir la imagen en tres tercios imaginarios horizontales y verticales. Los cuatro puntos de intersección de estas líneas fijan los puntos adecuados para situar el punto o puntos de interés de la foto, alejando éste del centro de la fotografía.


La Regla de los Tercios - Foto de Hamed Saber

Cada uno de estos cuatro puntos de intersección se denominan puntos fuertes. Cuando estemos haciendo una foto, si solo existe un único punto de interés, es preferible situarlo en uno de los cuatro puntos de intersección mencionados en lugar de hacerlo directamente en el centro de la foto.

Esto suele generar mayor atracción en el espectador que cuando el centro de interés esta en el mismo centro de la fotografía.

¿Y si tengo varios centros de interés?

En caso de que en la foto hubiera dos centros de interés, es recomendable buscar dos de estos puntos, y siempre que sea posible opuestos, formando una diagonal en la foto.

¿Cuándo aplico la Regla de los Tercios?

Lo normal es aplicarlo al hacer la foto.

No te preocupes si al principio no identificas bien a través del visor o la pantalla de tu cámara dónde se encuentran esos puntos imaginarios. Es normal que al principio te cueste un poco, pero con el tiempo irás cogiendo práctica.

Algunas cámaras réflex traen unas guías en el propio visor que ayudan a tomar referencias.

Hay quien pega en la pantalla una pegatina transparente sobre la que hace unas marcas. Como ayuda puede serte útil, pero sinceramente no lo creo necesario.

Otra opción, solo recomendable en ciertos casos, es realizar un reencuadre posterior con programas de retoque fotográfico como Photosop.

Las Reglas están para romperlas

No obstante, recuerda siempre que las reglas de composición están hechas para romperlas. Esta regla no tiene aplicación en todos los casos.

( https://www.dzoom.org. Es )








Laura
Escrito por Laura
el 26/09/2011

Hola amiga entré a ec har un vistazo y me ha gustado lo de la regla de los tercios, seguimos aprendiendo todos en éste grupo tan creativo y original, gracias amiga

Cris Martinez
Diseño industrial universidad nacional...
Escrito por Cris Martinez
el 28/09/2011

hola maria muy buen debate no soy de andar con una maquina de foto a cuestas pero por ej tu explicacion de la regla de tercio me parecio interesanteesta bueno aprender esta arte para cuando me decida sacar unas fotos.

Gracias vany por la invitacion.

Y les deseo mucha suerte ,

Las quiero mucho cris

Carmen Alejandra Juarez
Diseño de modas corregidora de queretaro
Escrito por Carmen Alejandra Juarez
el 29/09/2011

Vanybel gracias por la invitacion

Mariangelica gracias por la creacion de este grupo

No se mucho pero espero aprender mucho.

La regla de los tercios me parese muy interesante.

Solo soy aficionada,intentare subir algunas fotografias mias.

Saludos


MARIAN
Escrito por MARIAN
el 29/09/2011

La Regla del Movimiento.

Es sorprendente lo que puede mejorar una foto tan solo girando unos grados la cámara en el instante del disparo. O posteriormente, recortando y reencuandrando. También las fotos con movimiento.




La regla del movimiento es una regla básica a aplicar en la composición de la fotografía, teniendo aplicación en aquellas fotos dotadas de movimiento. Un mal encuadre puede desmerecer una fotografía en movimiento dificil de conseguir.


En Qué Consiste la Regla del Movimiento

La regla del movimiento es muy sencilla, y nunca debemos perderla de vista. Para aquellas fotos que deseen transmitir movimiento de objetos, los elementos en movimiento deben "entrar" en la fotografía, es decir, deben estar a uno de los lados de la fotografía, dejando mayor espacio en la dirección del movimiento.

En el siguiente ejemplo, los coches de la fotografía están "saliendo" de la misma. Sería un encuadre mejorable de una fotografía en movimiento.

mal

Con este reencuadre aplicado a la foto, sin embargo, conseguimos transmitir al espectador una mejor información sobre el movimiento de los coches, que es al fin y al cabo el objetivo buscado.

bien

Antonia
Escrito por Antonia
el 20/10/2011

TODO UN CURSO MARIAM! GRACIAS

EMPEZÈ A PRACTICARLO!

SALUDITOS!

SHARE IT NOW

ANTONIA
Graciela Gomez
Nivel in icial (maestra jardinera no t...
Escrito por Graciela Gomez
el 06/11/2011

Muy bueno todo lo que enseñan lo aprenderé con ayuda de mi hija. Cariños

MARIAN
Escrito por MARIAN
el 09/12/2011

Fotografía nocturna: algunos consejos…





La fotografía nocturna resulta, sin duda, fascinante, por cuanto supone un reto, a veces de resultado incierto e imprevisible, pero que nos exige un desafío estimulante para lograr espectaculares imágenes. Además, trabajar con escasas condiciones de luz en determinados escenarios nos proporciona multitud de posibilidades. Tan sólo tenemos que tener muy en cuenta algunas cuestiones para obtener sorprendentes fotografías.

Siempre son llamativas, tanto si son paisajes serenos a la luz de la luna, como si se trata de un paisaje urbano lleno de movimiento, pero todas requieren un mínimo de planificación. Además, ahora que se acercan unas fechas cruciales (solsticio de verano, lluvia de estrellas,... ), la fotografía nocturna es un buen terreno donde experimentar. Al contrario de lo que pudiera parecer, los requisitos son bien pocos, ya que con las cámaras digitales este tipo de fotografía se ha potenciado enormemente debido a sus inmensas posibilidades.

Pasemos a repasar algunos consejos útiles:

Material: una r é flex digital (las compactas tambi é n valen, si disponen de controles manuales), un tr í pode (el sistema de estabilizaci ó n es insuficiente para exposiciones largas, as í que mejor lo desactivamos) y como opción un cable disparador o un mando a distancia por infrarrojos, de precio irrisorio y de gran utilidad para este tipo de fotografía.

Al tratarse de velocidades de exposici ó n lentas es conveniente comprobar si nuestra m á quina tiene el modo B (Bulb), que nos permitirá tomar una fotografía durante el tiempo que queramos (aunque algunas lo tienen limitado).

Usaremos el modo Manual para controlar tanto la abertura de diafragma como la velocidad de obturaci ó n, ya que la fotometr í a de este tipo de escenas es muy conflictiva y nos obliga a introducir nosotros los valores adecuados.

El momento m á s adecuado en un paisaje nocturno es el inmediatamente posterior a la puesta de sol o el anterior a su salida ( ¿ record á is la hora azul?). Ya que en una noche cerrada no encontraremos suficientes detalles ligeramente iluminados que destacar. También es importante seleccionar muy bien el escenario adecuado según el momento.

Si fotografiamos motivos est á ticos hay que buscar elementos m á s iluminados que contrasten con fondos oscuros o viceversa (siluetas sobre un cielo semiiluminado).

Si queremos captar motivos en movimiento, como, por ejemplo, un paisaje urbano con luces de los veh í culos, hay que intentar que no haya luces directas muy potentes (farolas, focos,... ), puesto que quedar á n sobreexpuestas.

Es muy importante planificar bien la toma. Tomarse el tiempo necesario, hacer pruebas y asegurar bien el trípode para evitar sorpresas.

Es muy ú til disparar varias tomas de prueba, tanto por encima como por debajo de lo que nos sugiere el fot ó metro de la c á mara. Para ello, sobreexponemos un par de puntos, y lo mismo para una toma subexpuesta. Con los resultados en pantalla tendremos una buena medida de por donde tenemos que movernos, teniendo en cuenta que este aspecto es el más crítico en este tipo de fotografías.

Como comprobaremos, si tenemos objetos muy luminosos y zonas muy oscuras la medición ponderada o matricial no será la más adecuada, mejor usar una medición puntual en una zona con un valor medio.

Si nuestra c á mara tiene la opci ó n de elevar el espejo previo al disparo pues lo usamos. Si no fuese así (algunas no lo permiten), tenemos la opción de disparar con algo más de tiempo. Aunque parezca paradójico, la ligera trepidación de la cámara al elevar el espejo se puede disimular si aumentamos la exposición. Así no perderemos nitidez.

Tambi é n es ú til usar la opci ó n de ahorquillado, as í nos aseguramos que estamos tomando la toma adecuada, ya que fiarse de lo que vemos en la pantalla LCD nos puede enga ñ ar.

Hay que evitar usar una velocidad ISO alta, mejor dejarlo en 100 ó 200, puesto que un valor más elevado nos puede producir excesivo ruido en las zonas más subexpuestas (todo depende el umbral de ruido hasta el que podemos llegar con cada cámara).

En cuanto al objetivo, mejor un angular o teleobjetivo corto, y usando una abertura media o mínima dependiendo de la situación, pero hay que recordar que hay que intentar lograr la máxima nitidez y una amplia profundidad de campo suele ser la mejor opción, además de que lograremos el efecto estrellado más pronunciado de los puntos luminosos.

Cuidado con el enfoque. No us é is el modo autom á tico, con tan poca luz seguro no acertar á . Mejor en manual.

Si queremos destacar un motivo en particular podemos usar el flash (programado), por ejemplo, para iluminar personas en movimiento. Otra opci ó n es iluminar a intervalos con una linterna algún elemento, lograremos que aparezca ligeramente más iluminado.

Por ú ltimo, recordar que se puede mejorar en el procesado posterior viendo la imagen en la pantalla de nuestro ordenador, especialmente, lo referente al enfoque.

Bueno, después de este atracón de consejos, espero que útiles, sólo queda experimentar. Suele ser complicado las primeras veces, pero a medida que se le coge el punto, los resultados nos animan bastante. Recordar que es importante planificar bien la toma (apuntar lo realizado puede ser muy útil para posteriores sesiones), cuanto más pensada y probada esté, seguro la fotografía que obtengamos será mucho mejor.

MARIAN
Escrito por MARIAN
el 23/01/2012

Rango Dinámico


El sensor de imagen de tu cámara es muy similar a la película de diapositivas en color en lo que respecta a la sensibilidad a la luz.
Como en las diapositivas, si una parte de la imagen recibe demasiada luz, se quema, y si recibe demasiado poca aparece como negra. Una imagen reconocible se registra sólo si la luz que llega al sensor entra en un rango de unos 5 diafragmas. (Recuerda — cada paso de diafragma equivale a doblar o reducir a la mitad la cantidad de luz que llega al sensor o la película). Con la tecnología digital las cosas son bastante parecidas e incluso el rango dinámico es muy similar al de las diapositivas; en torno a 5 diafragmas. También hay que tener en cuenta que el rango tonal de valores de luminosidad que se encuentran en el mundo real es de unos 10 diafragmas — desde la luz más tenue bajo la que se puede leer hasta la escena de playa o nieve más luminosa en la que uno puede encontrarse -.

Surf & Turf. Big Sur California — February, 2003
Canon EOS 1Ds with 135mm f/2. 0L lens @ ISO 100

En una imagen registrada en modo de 8 bits (vamos a ignorar los modos de 12, 14 y16 bits en este artículo) hay 256 niveles de luminosidad entre el negro absoluto (0) y el blanco absoluto (255). El 18% de gris (el punto que todos los fotómetros miden) tiene un valor numérico sobre 128, a medio camino entre el blanco y el negro. Esto es bastante lígico. Significa que si expones para un sujeto típico, por ejemplo alco como una escena con personas, árboles, hierba, etc, estos sujetos se expondrán más o menos sobre el punto medio del rango dinámico de la cámara. ¿Por qué es ésto importante?
Ésto es porque si un sujeto se expone muy cerca de uno de los dos extremos, te encontraras con las limitaciones del sensor para registrar la imagen. Demasiado cerca del 0 (negro absoluto) y no habrá imagen, o será muy oscura y ruidosa, y demasiado cerca del 255 (blanco absoluto) y no habrá nada salvo píxeles saturados sin información de la imagen.

El Histograma


Aquí es donde entra el histograma. Es una gráfica simple que muestra dónde se encuentran todos los niveles de luminosidad en la escena, desde el más oscuro al más claro. Estos valores están representados en la parte inferior de la gráfica desde la izquierda (oscuro) a la derecha (claro). El eje vertical (la altura de los puntos en la gráfica) muestra cuántos pixeles de la imagen se encuentran en un nivel de luminosidad dado.


Nótese que he dado un nombre un poco arbitrario a cada una de las cinco zonas (o pasos de diafragma) que contienen el rango dinámico que se puede registrar con las cámaras: Muy Oscuro / Oscuro / Medio / Claro / Muy Claro. Pero cada una de estas zonas contiene unos 50 niveles de luminosidad. (5x50=250 no 256, pero ¿A quién le importa? ) Ahora en serio, es una buena idea considerar que unos 4-5 puntos en la parte más oscura y otros 4-5 en la parte más clara (blanco) están tan cerca de los extremos que no están realmente en el segmento de la gráfica que forma la imagen. (NB: Esto es una explicación muy simplificada. Para saber cómo están realmente distribuidos los datos, léase mi tutorial Expose to the Right .)

Esta vista de la pantalla de una Canon 1Ds muestra un histograma de una toma y también las líneas verticales punteadas que Canon pone en la pantalla separando los 5 diafragmas de rango dinámico disponibles. Como puede verse esta imagen tiene la mayoría de su contenido en las sombras o en las luces, con poco contenido en los tonos medios.

Scanning The Scene. Costa Rica — February, 2003

Ahora las cosas empiezan a aclararse. El histograma nos muestra bastante información y así como un vistazo a las agujas de un reloj analógico te dicen instantáneamente la hora sin tener que ser consciente de los valores numéricos, una vez que te acostumbras a "leer" un histograma serás capaz casi instantáneamente de evaluar la calidad de la exposición que está haciendo la cámara. Esto es cierto especialmente cuando el histograma está sobreimpreso o junto a la imagen, haciendo que la gráfica sea mucho más significativa. Vamos a ver algunos ejemplos.

Ejemplos

Como se dijo antes, a excepción de un histograma muy concentrado en la parte derecha (sobreexpuesto) no hay realmente un histograma "malo", o de la misma forma uno "bueno". El histograma simplemente muestra cómo son las cosas y depende de ti decidir si hay que actuar sobre lo que el histograma dice. Aquí tenemos algunos ejemplos.


Aquí tenemos la misma fotografía tomada con diferentes exposiciones. Ambas se tomaron con un diafragma de F/9. La de la izquierda se tomó a 1/2000 s. Y la de la derecha a 1/200 s. El histograma de la de la izquierda está concentrado en la parte izquierda (subexpuesto) y el de la derecha está concentrado en la parte derecha (sobreexpuesto).
No hay una exposición con las cámaras digitales actuales (o con diapositiva) que abarque todo el rango dinámico de esta escena (que es de unos 8 diafragmas). Por lo tanto hay que tomar decisiones sobre cómo tratar una escena así. Para abarcar 8 diafragmas de rango dinámico en una imagen registrada de sólo 5 diafragmas, las opciones son...
- Usar flash de relleno
- Usar un filtro de densidad neutra graduado
- Hacer varias tomas y juntarlas digitalmente
- Irse a casa
El Flash de relleno no funcionará en este caso porque el objeto en primer plano es muy grande y distante. No tenía ningún filtro graduado de densidad neutra (ya no los uso), e irme a casa no era lo que tenía pensado. En lugar de eso hice las dos tomas que se ven arriba con una diferencia de 3 diafragmas y medio y las junté digitalmente usando uno de los procesos descritos en mi tutorial Digital Blending . La imagen de abajo es el resultado. No es una obra de arte, pero ilustra el propósito.


Los histogramas "son como son"

Como se dijo antes, con la excepción de los histogramas muy sobreexpuestos, no hay un histograma malo de por sí. Los histogramas son como son.


Este histograma de la toma "low key" muestra que casi toda la información de la imagen está en la parte izquierda (tonos oscuros) con sólo una pequeña parte en las luces que corresponde al brillo de la luna. Pero como las partes oscuras no están completamente pegadas a la parte izquierda y las partes brillantes no están pegadas a la parte derecha del histograma, la escena "entra" dentro del rango dinámico que puede capturar la cámara. El detalle en la luna es lo importante en esta toma.


En esta imagen "high key" se ve justo lo contrario. Casi todos los valores que se ven están hacia la derecha del histograma, en la parte de las luces. Ahí es donde yo quería que estuvieran para reproducir adecuadamente la luminosidad de esta escena de nieve. Sin embargo, como no están pegadas al borde derecho del histograma, sé que las luces no están quemadas.
No hace mucho tiempo el histograma era algo misterioso. Hoy en día se ha convertido en una valiosa herramienta para el fotógrafo que quiere controlar la calidad de su cámara digital. Espero que este tutorial haya ayudado a eliminar parte del misterio para ti.

Usa el histograma de tu cámara digital. Ajusta la cámara para mostrar una vista combinada de histograma y miniatura de la foto durante 5-10 segundos después de cada toma. Acostúmbrate a mirarlo. Es lo mejor que se ha inventado desde el fotómetro incorporado a la cámara.


— Michael Reichmann
The Luminous Landscape
Version original del artículo
Traducido y publicado con la autorización del autor.
Traducción: Manuel Fuentes Alarcón


MARIAN
Escrito por MARIAN
el 23/01/2012
Comprender los Ficheros RAW


Existe probablemente más información errónea, desinformación y falta de información acerca de lo que son los ficheros raw que acerca de cualquier otro tema relacionado con la fotografía digital. Existen también muchas razones por las que uno debería disparan en modo raw, pero también bastantes razones para lo contrario. Vamos a ver ambos casos.

¿Qué es el Modo Raw?

Cuando una cámara digital hace una exposición, el sensor de imagen (ya sea CCD o CMOS) registra la cantidad de luz que ha llegado a cada píxel o fotodetector. Esto se registra como un voltaje. El convertidor analógico-digital de la cámara cambia este valor analógico del voltaje por una representación digital. Dependiendo de la circuitería de la cámara se graban 12 o 14 bits de datos. Si la cámara graba 12 bits de datos cada pixel podrá representar 4096 niveles de luminosidad (2^12), y si graga 14 bits entonces podrá representar 16384 niveles diferentes de luminosidad (2^14). (Que yo sepa ningún sensor de imagen actual registra verdaderamente 16 bits de datos).
Por supuesto, lo que pasa después de haber tomado la foto depende de si has ajustado la cámara para grabar las imágenes en la memoria como ficheros RAW o JPG.
Si has grabado el fichero en modo raw, cuando se carga posteriormente en un programa de conversión de ficheros raw y luego guardado en formato TIFF o PSD, se puede exportar en modo de 16 bits. Los 12 o 14 bits registrados por la cámara se distribuyen a lo largo de todo el espacio de trabajo de 16 bits. Si has grabado el fichero en la cámara como un JPG, entonces el software de la cámara convierte el fichero al modo de 8 bits y sólo tendrás 256 niveles de luminosidad con los que trabajar.

Spanish Geometry — Seville, Spain. April, 2004
Minolta A2 at ISO 64. 150mm Equiv.

Grabando el fichero RAW

Si estás grabando ficheros raw, la cámara crea un fichero de cabecera que contiene todos los ajustes de la cámara, incluyendo (dependiendo de la cámara) nivel de nitidez, ajustes de contraste y saturación, temperatura de color / balance de blancos, etc. La imagen no cambia según estos ajustes, simplemente son etiquetas informativas registradas como datos en el fichero raw.
Estos datos de imagen en bruto(*), lo que el sensor de imagen registró junto con los llamados meta-datos (los ajustes de la cámara y otros datos técnicos) se graban en la tarjeta de memoria. Algunas cámaras comprimen estos ficheros, otras no. En cualquier caso, aunque los ficheros raw se compriman, esto se hace sin pérdidas de forma que no hay ningún deterioro del fichero debido a la compresión. (Algunos fabricantes, Nikon y Kodak concretamente, usan un algoritmo con ligeras pérdidas para guardar los ficheros raw).

Grabando el fichero JPG


Si has elegido que la cámara grabe el fichero como un JPG, esto es lo que sucede…

  • Por sí solo ningún sensor registra colores. En todos los sensores de imagen, excepto los de Foveon (que usa tres capas de silicio separadas, una para cada color primario) todos los sensores de imagen usan lo que se llama una Matriz de Bayer o una matriz de filtros de color para registrar colores. Esto se hace colocando filtros rojo, azul y verde sobre cada píxel. La mitad de los pixels se filtran en verde y los que quedan son rojos o azules. Mediante un algoritmo myy complejo, los valores registrados por cada pixel se comparan con sus vecinos y se calcula la información de color final. Y, para complicar más las cosas, la Sony F828 usa una matriz de cuatro colores con el verde esmeralda como cuarto color.
  • Los sensores de imagen son dispositivos lineales. Esto significa que cuando sobre un píxel incide el doble de luz que sobre otro, se producirá el doble de voltaje. Pero los números F y la forma en que se interpretan los valores de luminosidad es logarítmica. Esto significa que una imagen no corregida es muy oscura y por lo tanto se le tiene que aplicar una curva de tonos a los datos para recrear una escena con un aspecto natural.
  • Las imágenes digitales a las que no se ha aplicado la máscara de enfoque se ven planas, con bajo contraste y por lo tanto poco nítidas. La gente quiere que los JPGs de la cámara sean bonitos y por eso se aplica la máscara de enfoque al fichero en la cámara. La máscara de enfoque busca los bordes entre zonas luminosas y oscuras y realza el contraste. Esto produce halos alrededor de los bordes. Si la máscara de enfoque se aplica de forma demasiado intensa, estos halos serán visibles en la copia final. Si se aplica de forma demasiado suave entonces la nitidez puede no ser suficiente. Las cámaras suelen tener entre 1 y tres niveles distintos de enfoque que el usuario puede elegir.
  • El contraste se puede ajustar en algunas cámaras.
  • La saturación del color se puede ajustar en algunas cámaras, normalmente con dos o tres niveles posibles.
  • La cámara convierte el fichero de 12 o 14 bits al modo de 8 bits. Dicho de otra forma, los 4096 ó 16384 niveles de luminosidad registrados en cada píxel se reducen a 256 niveles de luminosidad.
  • La compresión es el último ajuste para un fichero JPG. JPG es por definición un formato con pérdidas. Esto significa que para conseguir tamaños de fichero más reducidos (que es el principal interés del formato JPG) algunos datos se pierden. Si la compresión se fija a un nivel bajo (p. Ej. 2:1) entonces hay muy poca información perdida y será casi imposible ver alguna pérdida de datos. Cuanto se comprima el fichero más visibles se harán los defectos en la imagen. La mayoría de las cámaras permiten al menos dos o tres niveles de compresión.

Brickworks Ruins — Toronto, May, 2004
Panasonic LC1 @ ISO 100. 7mm (28mm Equiv)


Pros y Contras

Ahora ves la diferencia. Un fichero raw es esencialmente los datos que el sensor de la cámara registró junto con información adicional. Un fichero JPG ha sufrido la conversión lineal, la conversión de matriz, balance de blancos, contraste y saturación y además se le ha aplicado una compresión potencialmente destructiva.
Si con este énfasis parece que estoy siendo parcial es porque lo soy. Pero no mucho. Lo anterior es realmente lo que pasa en cada caso. De todas formas añadiré que un fichero JPG salido directamente de la cámara puede proporcionar en muchos casos copias de muy buena calidad. De hecho hay numerosas razones muy válidas para disparar en JPG.

Razones para Disparar en JPG

— Los ficheros son más pequeños y por lo tanto caben más en una tarjeta.
— Para muchas aplicaciones la calidad de imagen es más que suficiente (instantáneas familiares, fotos de periódicos).
— Los ficheros pequeños se transmiten más rápido sin hilos y por Internet. Esto es importante para los fotógrafos de prensa.
— Muchso fotógrafos no tienen el tiempo o la disposición para procesar sus ficheros.
— Muchas cámaras (especialmente las compactas) no pueden disparar rápido cuando trabajan en modo raw. Algunas cámaras de gama baja ni siquiera pueden grabar ficheros raw.

Razones para disparar en Raw
  • Un fichero raw es comparable a la imagen latente contenida en una película expuesta pero no revelada. Contiene exactamente lo que el sensor de imagen registró. Nada más. Nada menos. Esto significa que el fotógrafo puede extraer la maxima calidad de imagen posible ya sea inmediatamente o en el futuro. Una Buena analogía con el método tradicional de película es que tienes la oportunidad de usar un tipo diferente de revelador o tiempo de revelado distinto en cualquier momento futuro si encuentras un método mejor para procesar la imagen.
  • A los ficheros raw no se les ha ajustado el balance de blancos. Están marcados con el ajuste que había ne la cámara (ya sea un ajuste manual o balance de blancos automático), pero los datos realies no han cambiado. Esto permite que uno ajuste cualquier temperature de color y balance de blancos a posteriori sin ningún deterioro de la imagen. Debe entenderse que una vez que se ha convertido el fichero desde el espacio lineal y que se le ha aplicado una curva tonal (como en un JPG) el balance de blancos no se puede cambiar.
  • La linearización del fichero y la conversión de matriz de filtros de color (Bayer) se hace en un ordenador con un procesador rápido y potente. Esto permite usar algoritmos mucho más sofisticados que los que se usan en la cámara con un procesador más lento y menos potente y con menos espacio para programas complejos de conversión de ficheros raw.
  • El fichero raw está marcado con la información de contraste y saturación ajustada en la cámara por el usuario, pero los datos reales de la imagen no han cambiado. El usuario es libre de ajustar estos parámetros evaluando cada imagen en vez de usar uno o dos ajustes generalizados para todas las imágenes que tome.
  • Posiblemente la mayor ventaja de disparar en raw es que se tienen 16 bits (tras convertir el raw) sobre los que trabajar. Esto significa que el fichero tiene 65536 niveles sobre los que trabajar. Esto en comparación con el espacio de 8 bits con sólo 256 niveles de luminosidad disponibles. Esto es importante cuando se edita una imagen, especialmente si uno intenta sacar detalle de las sombras o alterar la luminosidad de forma significativa.

Las figuras #1 y #2 muestran por qué. Suponiendo para este ejemplo un rango dinámico de 5 pasos de diafragma, puede verse cuántos datos hay en cada uno de los niveles de luminosidad en la imagen. En otras palabras, con un fichero de 12 bits los dos niveles más oscuros del fichero juntos tienen sólo 384 niveles de luminosidad con los que trabajar.
Sin embargo un fichero JPG de 8 bits tiene bastante menos. Tanto el espacio de color sRGB como el Adobe RGB usan una codificación gamma 2.2. La codificación gamma reubica algunos niveles de los pasos de diafragma altos en los pasos bajos para compensar que el ojo humano tiene más sensibilidad a los cambios absolutos en la gama tonal más oscura. De esta forma un JPG de 8 bits tiene solo 47 niveles de luminosidad disponibles en los dos pasos de diafragma inferiores. (Los niveles restantes hasta 256 se reparten en los pasos de diafragma superiores).
Un fichero raw de 12 bits
En el primer paso, que contiene los tonos más luminosos 2048 niveles disponibles
En el Segundo paso que contiene tonos luminosos 1024 niveles disponibles
En el tercer paso que contiene tonos medios 512 niveles disponibles
En el cuarto paso que contiene tonos oscuros 256 niveles disponibles
En el quinto paso que contiene los tonos más oscuros 128 niveles disponibles
Figura #1

Un fichero JPG de 8 bits
En el primer paso, que contiene los tonos más luminosos 69 niveles disponibles
En el Segundo paso que contiene tonos luminosos 50 niveles disponibles
En el tercer paso que contiene tonos medios 37 niveles disponibles
En el cuarto paso que contiene tonos oscuros 27 niveles disponibles
En el quito paso que contiene los tonos más oscuros 20 niveles disponibles
Figura #2

Ahora imagina que quieres hacer un pequeño ajuste en el fichero en Photoshop o en otro programa de edición. ¿Con qué preferirías trabajar, con 47 niveles o con 384? Evidentemente el fichero de 8 bits sufrirá posterización, que es el efecto que se ve cuando en vez de verse transiciones suaves entre los niveles de luminosidad se ven saltos abruptos.
— Dado que un fichero raw no se ha procesado de ninguna forma, si aparecen nuevos métodos mejorados para linealizar ficheros, aplicar la matriz de filtros de color u otros avances en el proceso de la imagen, podrás volver a tu fichero raw de tu archivo y trabajar sobre él desde cero. Un JPG por el contrario está ya totalmente procesado.

Conversores de RAW

No hay dos fabricantes que codifiquen sus ficheros raw de la misma forma. De hecho muchos fabricantes de cámaras cambian su formato raw de un modelo a otro. (Esperemos que algún día la industria se ponga de acuerdo en un formato común). Todos los fabricantes proporcionan software para descodificar y procesar los ficheros raw de sus cámaras. En la mayoría de los casos este software es gratuito y viene con la cámara al comprarla. En otros casos es un programa que tiene que comprarse aparte.
Aun a riesgo de ser parcial— estos programas varían casi universalmente entre pobres y simplemente aceptables, aunque hay un par como las versiones de gama alta de Kodak y Nikon que son bastante buenas. D Nikon are quite good. La mayoría suelen ser muy lentos, tienen interfaces de usuario pobres y a veces funciones limitadas. Las alternativas de terceros editores son mucho mejores. Hay demasiadas para nombrarlas aquí, así que mencionaré sólo las dos más populares y probablemente las dos mejores, el conversor Camera Raw que está incluido en Photoshop CS, y Capture One de Phase One.
Ambos programas son muy completos y tienen un flujos de trabajo excelente. Capture One soporta la mayoría de las reflex digitales mientras que Photoshop CS soporta prácticamente todas las reflex y compactas digitales del mercado con actualizaciones para nuevos modelos que aparecen varias veces al año a medida que aparecen nuevas cámaras.
Las diferencias principales entre estos programas son que actualmente se necesita Photoshop CS para usar Camera RAW mientras que Capture One es un programa por sí solo que puede exportar ficheros raw convertidos para usarlos posteriormente con cualquier editor de imagen. Capture One también está disponible en versiones diferentes para diferentes tipos de cámaras, con un precio menor en la versión para réflex de gama baja y un precio mayor para los modelos profesionales.

En Resumen

Algo a tener en cuenta es que todas las cámaras digitales siempre disparan en modo raw. Pero si elegimos grabar el fichero como JPG estamos confiando en el programa de conversión raw que tiene incorporado la cámara. Si permitimos que el fichero se grabe en formato raw tendremos la oportunidad de hacer la conversión en una plataforma más sofisticada, y hacerla una y otra vez si es necesario o conveniente en el futuro. En otras palabras, la decisión es — ¿Quieres hacer la conversión del fichero raw ahora en la cámara o más tarde en el ordenador?
Con un fichero JPG te estás comprometiendo en el momento de la toma con varios de los aspectos más importantes de la calidad de imagen, como el balance de blancos, contraste, saturación de color y otros. Con un fichero raw eres libre de tomar decisiones sobre estos parámetros en cualquier momento.
Como los ficheros JPG necesitan poco o ningún procesamiento, cuando se hacen ajustes a posteriori, hay que tener cuidado de hacer estos ajustes dentro de unos límites para que no se vean defectos de procesamiento. Para algunos fotógrafos la sencillez y rapidez de uso es una ventaja, para otros no. Desde luego cualquiera que busque la mejor calidad de imagen posible querrá disparar en modo raw siempre que sea posible.
Algunas cámaras pueden grabar ficheros JPG y raw simultáneamente, y para muchos fotógrafos esta es la solución ideal. Esto proporciona una imagen lista para usar para muchas aplicaciones mientras que existe un fichero raw para procesar más tarde o más completamente. El único inconveniente de este doble formato es el espacio extra que necesita en las tarjetas de memorias.
Alguna gente se queja de que los ficheros raw son demasiado grandes, y ocupan demasiado espacio. Con los precios de las tarjetas de memoria, discos duros y DVD-Rs bajando continuamente, el coste del almacenamiento es relativamente pequeño. Se requiere, eso sí una buena organización para organizar todos esos ficheros y unos buenos procedimientos de backup y archivo, pero eso es un tema para otro artículo.

(*) N. Del T. : Raw significa “en bruto”.

Emagister Responde
Barcelona, España
Escrito por Emagister Responde
el 13/02/2017
  • A pesar de estar en una era eminentemente digital, el revelado analógico sigue siendo una técnica muy apreciada entre los profesionales del sector. Si realmente estas buscando un curso para aprender a manejarte con negativos, deberías buscar formación para obtener el título de técnico de laboratorio de imagen.