En este grupo En todos

Grupo de Cultura latinoamericana

Esperanza Z.c.
Caldas, Colombia
Escrito por Esperanza Z.c.
el 13/01/2013

EVA CIELO - OBRA JESÚS ALBERTO ARBELÁEZ - COLOMBIA



Maria
Escrito por Maria
el 31/01/2013

ERNESTO DE LA CÁRCOVA.


Nacido en Buenos Aires en 1866, Ernesto de la Cárcova inició sus estudios pictóricos en la Sociedad Estímulo de Bellas Artes con el maestro italiano Francisco Romero. Luego marchó a Italia, donde ingresó a la Real Academia Albertina de Turín, quedando entonces bajo la tutela del pintor Giacomo Grosso.

En 1890 el joven estudiante argentino envió tres obras a la XXXI Exposición de Bellas Artes del Círculo de los Artistas Turineses y allí consiguió que el Rey Humberto I de Italia adquiriese, para el Palacio de Quirinal, uno de sus cuadros al pastel titulado "Cabeza de Viejo". Con ello, el triunfo del novel plástico porteño, de apenas veinticuatro años de edad, fue terminante y rotundo.

A continuación, tras un viaje cultural a París, se detuvo en Roma para comenzar un trabajo de gran envergadura, pero, antes de finalizarlo, tuvo que emprender el regreso a su tierra, urgido por asuntos de familia. El 1893, el pintor arribó a su patria y, en ella, aparte de ser recibido con un gran respeto, se decidió incorporarlo sin reservas, no obstante su juventud, al círculo de los viejos maestros de la Asociación.

En ese momento, de la Cárcova no sabía que en su país lo esperaba una nueva victoria, no menos resonante que la europea. En el mismo año de su retorno, se había constituído en Buenos Aires una entidad artística y literaria llamada El Ateneo.
Esta agrupación intentó levantar el nivel de interés por el arte y la literatura. En sus cinco años de vida, organizó conciertos y conferencias y llevó a cabo cuatro exposiciones, participando en la segunda (1894) de la Cárcova con varias producciones de gran valor.

Sin embargo, una de ellas, en especial, contribuyó de modo decisivo a acrecentar su prestigio. Se trataba de su vasta composición denominada "Sin pan y sin trabajo" adquirida finalmente en 1906 por Eduardo Schiaffino, entonces director del Museo de Bellas Artes, para el Museo a su cargo, donde se la puede observar en la actualidad.
FUENTE: https://www.revistadeartes.com. Ar/xiv-pintura-delacarcova. Html

Sin pan y sin trabajo. Realismo Argentino.


La obra “Sin pan y sin trabajo” fue producida por Ernesto de la Carcova en el año 1894. Se trata de un oleo sobre tela de unas medidas de 125,5 cm x 216 cm. Pertenece a la rama del arte realista y fue una de las primeras obras adquiridas por Eduardo Schiaffino para el Museo Nacional de Bellas Artes y sigue estando exhibida hoy en día.

Si analizamos esta obra de neto corte realista se puede observar una fuerte simbologia de las imagenes. El titulo ya nos indica todo" sin pan y sin trabajo". En la Argentina de 1894 posterior a la crisis económica de 1890 una de las más importantes del siglo XIX.


En relación con la obra en ella se pueden observar 3 factores claves: primero se observa un obrero en su casa golpeando en signo de impotencia una mesa. Por su parte en la casa se ve una silla sin respaldo, las ventanas sin vidrios y una mesa completamente vacía, sin más que una herramienta de trabajo, lo que denota la falta de trabajo y la herramienta esperando a ser usada; simboliza también la escasez de dinero que tenía ese sector. Como segundo factor se observa a través de la ventana una manifestación reprimida por la policía lo que agrava también el gesto de impotencia y representa el centenar de manifestaciones. Por último se hace evidente la falta de comida con la imagen de una mujer bastante flaca amamantando como puede a su bebe. Esto representa obviamente el hambre que había y con el bebe, el futuro del hombre con miseria y pobreza. Además hay un claro gesto de desazón de la mujer que mira sin consuelo la mesa buscando una explicación a todo eso.

Para concluir quiero remarcar que esta obra es de suma importancia en el arte argentino y es reconocida internacionalmente principalmente porque es una obra excelente en cuanto al realismo que presenta y a lo bien producida que está teniendo en cuenta que es una obra de gran tamaño y que está dibujada de un modo peculiar con colores oscuros lo que agrava una atmosfera deprimente y triste. Más allá de esto es una obra de gran importancia en el arte argentino porque representa una época importante en cuanto a lo sucedido en Argentina y muestra sin mucho contratiempo las partes más afectadas de la Crisis de 1890 en Argentina.

LOS TEMAS DE MACHETE

CABEZA DE VIEJO-1890


NATURALEZA-MUERTA-



Maria
Escrito por Maria
el 16/09/2013


srule02.gif (1751 bytes)
..... DEBATE: EL ARTE EN LATINOAMÉRICA.
..... (PLÁSTICA. MÚSICA, Y OTRAS ARTES)
srule02.gif (1751 bytes)

..... A partir de esta página, comenzaré a incluir en este debate, mis aportes relacionados con la música latinoamericana y de la península ibérica, con la autorización de la Administradora del grupo.

**********************************
MÚSICA IBEROAMERICANA.
**********************************
srule02.gif (1751 bytes)


Maria
Escrito por Maria
el 16/09/2013

Escrito por María Toledo Llanos el 9 de Febrero.

BIOGRAFÍA.-

Calle 13 es una banda de música urbana de Puerto Rico, encabezada por René Pérez Joglar, ( Residente) , y su hermano Eduardo Cabra Martínez ( Visitante) . René es escritor y vocalista, y Eduardo es compositor, director musical y multiinstrumentista (piano, melódica, guitarras eléctricas, entre otros). Su hermana Ileana Cabra Joglar, ( PG-13) , es la voz femenina del grupo. Los apodos de Residente y Visitante provienen de la identificación que daban al guardia de seguridad para entrar a su casa, ubicada en la Calle 13, en Trujillo Alto, un pueblo de San Juan. En cuanto a PG-13, fue sugerido por un primo, debido a que era menor de edad cuando comenzó a cantar con el grupo.


Calle 13 no pertenece a algún género musical en específico. Desde sus comienzos han tratado de encasillarlos dentro del reggaetón, del hip-hop, del rock, urbano-alternativo, entre otros. Sin embargo, la banda se caracteriza por ser eclécticos, a menudo utilizando una diversidad de influencias musicales e imaginativas fusiones que han definido su peculiar estilo. Tanto así, que ya se utiliza como ícono cuando se quiere hacer referencia a grupos que experimentan con géneros musicales como ellos lo hacen, diciendo: "como el estilo Calle 13".

En sus trabajos se pueden percibir influencias del rock, rap, ska, merengue, bossa-nova, música balcánica, folklore latinoamericano, cumbia villera de Argentina, cumbia colombiana, candombe uruguayo, salsa, afro-beat, y muchos más.

La banda también es conocida por sus impactantes letras en las que se entrelazan la sátira, el humor –a veces negro- y mensajes de contenido social. A través de su arte, transmiten un discurso versátil y universalista que abarca temas que hablan del amor, el sexo, la religión, los anhelos y la conciencia.

La banda ha ganado un total de 19 Premios Grammy Latinos y dos Premios Grammy, rompiendo el récord de premios ganados en la historia de los Premios Grammy Latinos.

- RESIDENTE es René Pérez Joglar.

Nació el 23 de febrero de 1978 en San Juan, Puerto Rico. Es hijo de Flor Joglar de Gracia, actriz y locutora, y Reinaldo Pérez Ramírez, abogado laboral, músico y escritor. Desde pequeño, estuvo rodeado por el arte y la música. Aprendió a tocar la guitarra por su cuenta y también tomó clases de batería. Además, tocaba en la banda de la escuela junto a su hermano Eduardo y a Ismael Cancel, baterista de Calle 13. Terminada la escuela superior, ingresó en la Escuela de Artes Plásticas en San Juan. Terminado aquí, completó su Maestría en Bellas Artes en el Savannah College of Art and Design (SCAD), en Georgia.

- VISITANTE es Eduardo Cabra Martínez

Nació un 10 de septiembre de 1978 en San Juan, Puerto Rico. Su madre, Rosa Iris Martínez, es tecnóloga médica y su padre, José Cabra González es publicista y músico. Eduardo comenzó a tocar el piano a los 6 años de edad. Participó junto a René en la banda de la escuela donde tocaba piano y saxofón. En su adolescencia se unió al grupo musical Kampo Viejo, una banda de Ska, en la que tocaba piano y saxofón. Luego de varios años con ellos, se marchó para crear el suyo propio, Bayanga, donde comenzó a explorar con otros géneros musicales creando fusiones con música de Brasil, reggae, ska y rumba. Para entonces, ya había completado dos bachilleratos en la Universidad de Puerto Rico: uno en Informática y otro en Contabilidad. Al cabo de un tiempo con Bayanga, agrupación con la que tuvo su primer éxito radial con la canción Solo los locos , decidió abandonar el grupo y crear otro con un nuevo concepto musical.

Esto coincidió con el momento en que René le pide que le componga música. Poco después, ambos grabarían su primer disco. Algunos de los músicos escogidos para esta nueva banda son y aún continúan eln el grupo: Héctor (Coco) Bárez, Andrés (Kino) Cruz, Mark Rivera, Arturo Vergés e Ismael Cancel


ESTILO MUSICAL.

A pesar que muchas personas etiquetan la música de Calle 13 como reggaetón , ellos intentaron distanciarse del estilo. - VISITANTE, siendo un músico profesional, intenta fusionar estilos diversos en la canciones del grupo. Los primeros cortes incluyen elementosde jazz , bossanova y salsa , mientras en sus canciones recientes incluye cumbia , tango , electrónica y otros. En sus giras recientes alrededor del Latinoamérica , ha añadido diferentes elementos musicales de acuerdo al lugar donde la banda está tocando, todavía manteniendo en la mayoría de sus canciones el ritmo «Dem Bow» tradicional del reggaetón así como en su sencillo «Tango del Pecado» y el remix para «Suave».

- RESIDENTE, el cantante, se resiste a etiquetar su música en un género específico, en lugar de llamarlo estilo urbano y llano. Él tuvo una clara preferencia del hip hop sobre el reggaetón tradicional y ambos, lo justifican diciendo que sólo tres canciones de las quince de su primer álbum epónimo, y que sólo cuatro de las quince canciones de su álbum Residente o Visitante , incluyen ritmos de reggaetón. Residente dijo sobre el estilo musical del grupo: « Me encanta mezclar cosas, como en nuestra canción "La jirafa". Tenemos tambores de Brasil combinado con el tema musical de la película Amélie . Es una gran canción, una declaración de amor para una mujer, pero sobre Puerto Rico también. Creo que por eso la gente le gusta nuestra música, porque —sexualmente hablando o políticamente hablando— es algo muy real».


CALLE 13 Y LA NUEVA IDENTIDAD LATINOAMERICANA.

De Susana Baumann , former Guía de About. Com

EL FENÓMENO CALLE 13 DESAFÍA AL STATU-QUO.

Calle 13 y la nueva identidad latinoamericana


No conocía la riqueza discográfica del grupo puertorriqueño Calle 13 hasta que debí escribir esta reseña a raíz de las 10 nominaciones del grupo para el Latin Grammy , una verdadera hazaña en la historia del Grammy Latino . Lo que más me sorprendió del grupo, además de la variedad musical de géneros que se hunde en el imaginario de las cuestiones culturales latinoamericanas , sus letras con un vocabulario abierto e insolente o la presencia de los arquetipos culturales en sus letras y en sus imágenes, fue la consistencia de su hacer con el de su decir.


La banda emitió en noviembre 2011 un Comunicado firmado por su líder, René Pérez, "Residente", en el que explica que: " debido al alto precio de los boletos para el ‘show’ en Comodoro [Rivadavia – Argentina] sin el consentimiento nuestro, decidimos mover la fecha hasta que bajen los precios." Incluso ofrecen dar un espectáculo gratuito.


Calle 13 pide respeto para sí y para su público. Parece que Calle 13 es el inicio de una nueva actitud musical y cultural que toca a la juventud latinoamericana cansada de que le “vendan” una imagen de sí misma. En algún lugar, existe esta incomodidad que se siente y que no se resigna. Las canciones de Calle 13 no “protestan” sino que exigen, afirman, definen, justa diferencia con las canciones de protesta de los setenta.


Podríamos decir que los hermanastros no hacen música, sino que explotan en una intensidad de vibraciones, colores e historias visuales que te llenan la cabeza. Su popularidad no es sólo contagiosa en “la isla del encanto” sino que se esparce como gripe desde México hasta Buenos Aires.

Aporte de Julián.-

Calle 13 - Latinoamérica

Calle 13 (con Mercedes Sosa) - Canción para un niño en la calle

Calle 13 - Digo lo Que Pienso

Calle 13 - La Vuelta al Mundo

Calle 13 - No hay nadie como tú

Calle 13 - El tango del pecado

Calle 13 - Por ti

Calle 13 - La cumbia de los aburridos

Calle 13 - La Fokin Moda

Calle 13 - John, el esquizofrénico

______________________________________

Maria
Escrito por Maria
el 16/09/2013

Escrito por María Toledo Llanos el 11 de Febrero

.....................


................. PATRICIO MANNS................................ Biografía Musical.

Patricio Manns es ampliamente reconocido en su doble y prolífica faceta de músico y literato. Como literato, se ha desarrollado en el ámbito de la poesía, el ensayo, la novela y el teatro, recibiendo numerosos premios y distinciones.

La figuración pública en lo musical se inicia en 1959 al ganar el Festival de Cosquín (Argentina) con su canción "Bandido". Pero será con "Arriba en la cordillera" (1965) que logra la valoración masiva. Miembro fundador junto con Rolando Alarcón más Isabel y Ángel Parra de la "Peña de los Parra", a la que se suma después Víctor Jara, forjando los cimientos de la "Nueva Canción Chilena". Activo participante de las jornadas de "Chile, ríe y canta" por todo el país organizadas por René Largo Farías. De entonces es su obra "El Sueño Americano" (1965), una de las primeras cantatas de América latina, que narra –a partir de varios patrones rítmicos de diversas regiones del continente- los avatares de la historia americana.

Como músico y como periodista, colabora activamente en las Campañas Presidenciales de la Unidad Popular de 1964 y 1970. De entonces es su disco "Patricio Manns" (1971) con uno de sus temas más bellos: "Valdivia en la niebla" y " No cierres los ojos", dirigido por Luis Advis y acompañado por: Inti Illimani, Los Blops, La Orquesta Sinfónica de Chile y La Orquesta Filarmónica de Santiago.




Después del golpe militar de 1973, logra salir del país rumbo a Cuba, e inicia su vida en el exilio. En Cuba, compone y graba con la Orquesta Sinfónica de Cuba "Cuando me acuerdo de mi país" y otras en su LP "Canción sin limites". Colabora con Humberto Solás en el guión de la película "La cantata de Chile" (1976) y escribe los versos para la música de Leo Brouwer que la titula. Viaja a Francia fundando el grupo Xaraxú en 1974, sin dejar de colaborar con Cuba. Inicia su "combate contra la dictadura" como portavoz de la resistencia chilena, plasmado en "Canción sin límites" (1977) y en "Chansons de la résistence chilienne" (1978). Es cuando conoce a Alejandra Lastra (1979), a la que compondrá la célebre "Balada de los amantes del camino de Tavernay" (1985).

Dice el musicólogo Juan Pablo González, "…. En sus 27 años de exilio, Patricio Manns formó junto a Horacio Salinas una de las duplas creadoras más fructíferas de la historia músical chilena", que se plasma en la obra del conjunto Inti-Illimani, en "Retrato" o "Vuelvo" (1979). Es junto a Salinas, que nacen temas, verdaderos emblemas del repertorio popular latinoamericano como: "El equipaje del destierro", "Palimpsesto" (1981) "Cantiga de la memoria rota" (1985) y con José Seves y Salinas "Samba Landó" y "Medianoche" (1996).

En 1984 se muda a "Trez Vella" en Echenevex, en la frontera franco-suiza, donde crea el "Concierto de Trez Vella" con arreglos de Alejandro Guarello y grabada con Inti-Illimani en 1985.


PATRICIO MANNS - En Chile


Su reencuentro físico con Chile es en 1990, tras 17 años de ausencia, en una gira por el país que se inició el 23 y 24de agosto en el Teatro Teletón y el Estadio Chile (hoy Víctor Jara). En las pantallas de Canal 7 TV interpretó por primera vez, su desgarrador "Cuando me acuerdo de mi país", ante la emoción de todo Chile. De esa gira Manns dirá: "(…) por ahora se cumplió la primera prioridad: poner el pie en Chile de nuevo". El retorno definitivo, sería en 2000, cuando se radica en Con Con.

La relación con Horacio Salinas prosigue con las interpretaciones del Inti-Illimani: "La Rosa de los Vientos (1999) y "Cantares del Mito Americano", estrenada en el Teatro Municipal de Viña del Mar en 2001. En noviembre de 2003 se realiza la primera producción discográfica de Horacio Salinas con: "Salinas", Remos en el mar" retomando la colaboración con Patricio Manns.

En el año 1998 retorna Manns al ámbito discográfico con:"Porque te amé", acompañado por el grupo "Parabellum". Con ellos, Manns graba en el Teatro Providencia un concierto antológico titulado "América Novia Mía" (2000).


A principios de 2002, conforma el grupo: "El Clan", y participa por tercera vez en el Festival de la Canción de Viña del Mar (2003) con el tema "Como un ladrón", clasificando como finalista y único autor chileno. Además –y pese al alejamiento de Horacio Salinas- mantiene el vínculo creativo con Inti-Illimani con el texto "Vino del mar" (2002), que retrata el destino de Marta Ugarte, victima de la represión militar. Participa también en el DVD de Inti-Illimani, "Lugares comunes", grabado en la Pista de Ceniza del Court Central del Estadio Nacional.

Septiembre 2003. - En Homenaje a Salvador Allende en el Estadio Nacional, lanza "Allende", la dignidad se convierte en costumbre".

Diciembre de 2003. -Fue nombrado Hijo ilustre de la Ciudad de Nacimiento al cumplirse los 400 años de su fundación.

2005 en Alemania. - Graba CD con varias canciones con el Uli Simon Ensambe.

Enero de 2006. - La SCD le rinde homenaje y lo nombra "Figura fundamental de la música chilena" que es la máxima distinción que puede recibir un músico y compositor chileno.

2006. - Consejo Chileno de La Música.

2004 y 2006 y 2008. - Candidato al Premio Nacional de Mùsica presentado por la Universidad de Playa Ancha y otras universidades del país.

Enero 2009. - Su tema, “Arriba en la cordillera” fue elegida la canción más popular de la música chilena en la versión N° 40 del Festival de Olmué.

Noviembre de 2009. - Estreno de: "Patricio Manns Sinfónico", en el Teatro de la Universidad de Concepción, interpretado por Orquesta Sinfónica y Coro de la Universidad de Chile. Arreglos de: Carlos Zamora, Mario Villalobos y Guillermo Riffo con la dirección general de Guillermo Riffo. Director Carlos Traverso.

9 de diciembre de 2009. - Recibe el Premio Presidente de la República Mención Música de raíz folklórica, de manos de la Presidenta Michelle Bachelet en la Moneda.

Febrero de 2011. - Su canción "De Pascua Lama" gana la Gaviota de Plata del Festival Internacional de Viña del Mar, como la mejor canción de raiz folclórica.

Mayo de 2011. - Obtiene el Premio Altazor, al mejor disco de música popular por su CD: "La tierra entera". Premio muy importante ya que son sus propios pares los que premian al artista.


PATRICIO MANNS - INTI-ILLIMANI - Con la Razón y la Fuerza

Esperanza Z.c.
Caldas, Colombia
Escrito por Esperanza Z.c.
el 16/09/2013

Hola Maria

Gracias por traer a Patricio Manns. Tengo un poco de su música. Buscándola en estos días encontré un álbum de otro Chileno. Patricio Castillo. LA PRIMAVERA MUERTA EN EL TEJADO. Es sobre una mujer que lucha desde un tejado el 11 de septiembre.

https://www.patriciocastillo.com/biografia. Htm

Arriba en la cordillera es un gran tema de Patricio Manns.

Pasé a dejarte algunas canciones de Facundo. Sé que te gustarán. Un abrazo

_____________





Esperanza Z.c.
Caldas, Colombia
Escrito por Esperanza Z.c.
el 16/09/2013

Facundo y un puñadito de canciones de su álbum SECRETO - 1987

Aquí un enlace con 17 albumes para descargar. Para los que gustan de este hombre maravilloso a quien nunca pude ir a ver en vivo porque siempre me decía que la próxima vez lo haría y nunca fué, como tanta cosas de la vida que aplazamos y luego ya no hay remedio..

https://vamostiquicia.blogspot.com/search/label/Facundo%20Cabral

Esta, la que tengo pegada en el corazón.

2 y 2 es nunca Facundo Cabral Album Secreto 1987 2 y 2 es nunca Facundo Cabral Album Secreto 1987

DOS Y DOS ES NUNCA VIDALITA

DOS Y DOS SON NADA.

DOS Y DOS ES NUNCA VIDALITA

DOS Y DOS SON NADA.

TE TRAIGO LA PUERTA VIDALITA

VOS QUERÉS VENTANTAS

TE TRAIGO LA LUNA VIDATILA

QUERÉS LA MAÑANA.

PAJARITO BLANCO

DE LA SOMBRA NEGRA.

POR ALTO QUE VUELES VIDALITA

VOLVERÁS A TIERRA.

NUESTRO PASO ES CORTO VIDALITA

Y EL CAMINO LARGO

NUESTRO PASO ES CORTO VIDALITA

Y EL CAMINO LARGO

TE TRAIGO LAS FLORES VIDALITA

VOS QUERÉS EL ARBOL

TE TRAIGO EL SILENCIO VIDALITA

VOS QUERÉS EL CANTO.

PAJARITO BLANCO

DE LA SOMBRA NEGRA

POR ALTO QUE VUELES VIDALITA

VOLVERÁS A TIERRA.

___________________

ESTA CANCIÓN ES UNA VIDALITA Y ESTO ES LO QUE DICE LA WIKISABIA:

La vidala es un estilo musical no bailable característico del folklore de Sudamérica . La vidalita está emparentada y a veces es confundida con la vidala . Ambas son de origen colla y se encuentran muy difundidas en el noroeste argentino , especialmente en las provincias de Catamarca y Tucumán .

La vidala suele ser más lenta que la vidalita, a la vez que los versos suelen ser amorosos y alegres, pero acompañados de una música triste. 1 En sus versos, muchas veces, la vidalita se caracteriza por intercalar la expresión "vidalita" acentuada en la última sílaba (vidalitá), para producir el efecto de que el cantante le habla a la vidalita.

___________________________


Y esta de Atahualpa Yupanqui con una introducción como las que solo Facundo sabía hacer.

Los ejes de mi carreta Facundo Cabral  Album Secreto 1987 Los ejes de mi carreta Facundo Cabral Album Secreto 1987

".. LO QUE CALLA LA MONTAÑA Y EL CANTO ETERNO DEL RÍO, EL FUEGO DEL HORIZONTE Y LA NOSTALGIA DEL FRÍO, EL MILAGRO Y LA JUSTICIA DEL CABALLO Y DE LOS CARDOS, EL GORRIÓN Y LOS HORNEROS, LA ESPERANZA, EL SOL, EL CAMPO..

EL PATRÓN QUE ES SORDO Y CIEGO Y EL PAISANO MUDO Y MANCO. TODO ESO LO SABÍA POR TU GUITARRA Y TU CANTO DON ATAHUALPA YUPANQUI QUE ABRISTE PUERTA Y VENTANA PA QUE NOSOTROS PODAMOS CONTAR AL MUNDO, LA PATRIA.

AHORA CANTO TU MILONGA PA DARLE GUSTO A MI ALMA, Y DESPUÉS SERÉ SILENCIO Y ESO ES PA DARTE LAS GRACIAS.

PORQUE NO ENGRASO LOS EJES

ME LLAMAN ABANDONAO

PORQUE NO ENGRASO LOS EJES

ME LLAMAN ABANDONAO

SI A MI ME GUSTA QUE SUENEN

PA QUE LOS QUIERO ENGRASAOS..

ES DEMASIADO ABURRIDO

SEGUIR Y SEGUIR LA HUELLA

ES DEMASIADO ABURRIDO

SEGUIR Y SEGUIR LA HUELLA

ANDAR Y ANDAR LOS CAMINOS

SIN NADA QUE LO ENTRETENGA.

NO NECESITO SILENCIO

YO NO TENGO EN QUIEN PENSAR

NO NECESITO SILENCIO

YO NO TENGO EN QUE PENSAR

TENIA PERO HACE TIEMPO

AHORA YA NO TENGO MAS

TENIA PERO HACE TIEMPO

AHORA YA NO TENGO MÁS...


SECRETO- 1987

CONTIENE UNO DE SUS TEMAS MÁS CONOCIDOS, EN UNA DE SUS TANTAS VERSIONES. "NO SOY DE AQUÍ NI SOY DE ALLÁ" GRABADO EN EL LUNA PARK.

Hermano regresa a casa - Facundo Cabral Album secreto 1987 Hermano regresa a casa - Facundo Cabral Album secreto 1987


Los ejes de mi carreta Facundo Cabral  Album Secreto 1987 Los ejes de mi carreta Facundo Cabral Album Secreto 1987


LES DEJO LA LETRA DE ESTA CANCIÓN.

LA VIDA ES AHORA MISMO

Esa tierra en el oriente equilibrando la arena, ese sol en occidente la estrella y la primavera. Esa muchacha descalza caminando en la mañana, ese río donde bailan el árbol y la montaña. Esas cosas son ahora la vida es ahora mismo ahora mismo, ahora mismo la vida es ahora mismo. Esa nieve milenaria y los salmos más antiguos, esa puerta de los griegos, la ventana de los chinos. Esta mano y esa otra este mar y ese camino, estas ganas y estos sueños lo que fue... Lo que no ha sido. Esas cosas son ahora la vida es ahora mismo ahora mismo, ahora mismo la vida es ahora mismo. Esa eterna maravilla del horizonte infinito, ese pan entre las nueces y la sal entre los higos. Esta canción que me lleva más allá de lo que digo, este amor que pienso y siento y este mundo donde vivo. Esas cosas son ahora la vida es ahora mismo, ahora mismo, ahora mismo la vida es ahora mismo.

Un abrazo.


Maria
Escrito por Maria
el 19/09/2013

Gracias Esperanza por tus aportes de Facundo Cabral. No los conozco todos y los iré escuchando de a poco. Sabe llegar al alma, hablando con la verdad de sus experiencias de vida y su infinita sensibilidad. Una maravilla que no se termina de descubrir.


Maria
Escrito por Maria
el 01/10/2013

EE.UU.


YAMANDÚ COSTA.

Compositor y guitarrista Yamandú Costa nació en Passo Fundo , ubicado en Rio Grande do Sul , el 24 de enero de 1980. Hijo de la cantante Clari Marson y del trompetista y guitarrista Alguacir Costa, fundador del grupo musical Los Fronterizos. A la edad de 4 años de edad, cuando su familia se presentaba en un bar en Porto Alegre, su padre llamó al niño al escenario a cantar y luego fue invitado a participar en programas de radio en Porto Alegre, incluyendo su primer trabajo grabado.



Al completar siete años, Yamandú - que en Tupí- guaraní significa "precursor de las aguas" - empieza a aprender con su padre, los primeros acordes en la guitarra. Más tarde, perfeccionó su habilidad con el talentoso instrumentista argentino Lucio Yanel, que por entonces residía en Brasil. Hasta los quince años, se vio inmerso en un universo musical que resume el género que prevalece en el sur de Brasil, Argentina y Uruguay, el sonido regional gaucho y las canciones tradicionales latinoamericanas.

Cuando finalmente, se puso en contacto con el sonido producido por músicos como Radames Gnatalli , Baden Powell , Tom Jobim y Raphael Rabello, el panorama se amplió y comenzó a buscar nuevos ritmos y estilos. Todavía muy joven, a los 17 , el músico hizo su primera presentación en São Paulo , en el Circuito Cultural Banco do Brasil, en un espectáculo producido por Tom Brasil Estudio.


El compositor y guitarrista brasileño Yamandú Costa(D.R.)

El compositor y guitarrista brasileño Yamandú Costa
(D.R.)

Desde entonces , Yamandú continúa creando y sorprendiendo a críticos y audiencias. Actualmente, es visto como una revelación en su instrumento en territorio brasileño. Su actuación en la guitarra tiene el poder de cambiar la forma de cada una de sus composiciones, además de demostrar su complicidad íntima con este instrumento musical.

El compositor se nutre en cada toque de toda la mística oculta en la música, que también se muestra en su cuerpo produciendo, en el escenario, algo parecido a un acto de magia. Lloran las cuerdas y su sonido se extiende desde la bossa nova a las milongas, tangos, zambas y chamamés en guitarras de seis , siete y ocho cuerdas. Yamandú difícilmente podría ser etiquetado dentro de cualquier género musical definido.

Un monstruo de la guitarra. Un fuera de serie, uno de aquellos talentos que nacen muy de vez en vez, alguien que desafía la gravedad con sus dedos, que se eleva y en su trance abre las puertas a otros universos. Verlo atacar los solos en su guitarra de siete cuerdas es una fiesta y un privilegio único. A veces da la idea de que no es una sola guitarra la que suena, porque Yamandú logra hacer sonar, simultáneamente, las notas altas y bajas, con un claridad y transparencia que demuestra lo depurado de su técnica de digitación.

Yamandú es hoy el músico brasileño que más se presenta en el exterior, cubriendo los más diversos países del mundo: Francia, Portugal, España, Bélgica, Alemania, Italia, Austria, Suiza, Países Bajos, Suecia, Noruega, Finlandia, Estonia, Eslovenia, Rusia, Lituania, Serbia, Grecia, Macedonia, Israel, Chipre, India, China, Japón, Corea del Sur, Zimbabwe, Cabo Verde, Emiratos Árabes Unidos, Australia, EE. UU. , Canadá, Ecuador, Cuba, Colombia, Chile, Argentina y Uruguay.

_____________________________________________

Premios y Festivales

_________________________________________________

Discografía
  • 2011 - Yamandú Costa e Rogério Caetano
  • 2008 - Mafua
  • 2007 - Lida
  • 2007 - Yamandú + Dominguinhos
  • 2007 - Ida e Volta
  • 2006 - Sesión de Tokio
  • 2005 - Música do Brasil Vol. I (DVD)
  • 2005 - Yamandú Costa ao Vivo (DVD)
  • 2005 - Brasileirinho
  • 2004 - El Negro Del Blanco / Yamandú Costa e Paulo Moura
  • 2003 - Yamandú ao Vivo
  • 2001 - Yamandú / Prêmio Visa
  • 2000 - Dois Tempos / Lúcio Yanel e Yamandú Costa

Un enlace a un bellísimo video:

El Negro del Blanco - Yamandú Costa
Maria
Escrito por Maria
el 02/10/2013


Simón Díaz (1928- ) . Es el más célebre músico, compositor e intérprete del género popular venezolano y su obra es considerada como uno de los legados más importantes tanto para la música popular venezolana como para el repertorio musical del resto del continente. Conocido mayormente por el rescate de la Tonada Llanera, Simón Díaz, convencido de que la tonada del llano venezolano es un aire musical de características únicas, se dedicó enteramente a difundirla, estudiarla y componerla hasta constituirla en un auténtico género musical en el que han conseguido expresarse grandes artistas como Mercedes Sosa (Argentina), Caetano Veloso, Ivan Lins y Joyce (Brasil), Joan Manuel Serrat (España), Danny Rivera, Ednita Nazario, Cheo Feliciano y Gilberto Santa Rosa (Puerto Rico), Franco De Vita (Venezuela), entre otros. Así mismo, destacados directores y compositores de la música académica han llevado las tonadas de Simón Díaz al lenguaje de la orquesta sinfónica y arreglos corales, sellando de esta manera el carácter universal de este género musical.

Pero los músicos no han sido los únicos atraídos por las tonadas de Simón Díaz, también lo han sido artistas de otras disciplinas como es el caso de la reconocida coreógrafa alemana Pina Bausch, quien incluyó algunas de estas tonadas de Simón Díaz para musicalizar su obra "Nur Du". Por otra parte, el reconocido director de cine Pedro Almodovar también incluyó en la banda sonora de su película "La Flor de mi Secreto", una tonada de Simón Díaz que lleva por nombre "Tonada de Luna Llena", en versión de Caetano Veloso.
Su pasión por el canto y la actuación lo lleva al teatro, el cine y la televisión, proyectándose en los años 60 como uno de las más grandes humoristas de Venezuela y símbolo de las más genuinas expresiones del folklore y la cultura popular.

Del trabajo realizado en su país: Hasta el momento ha sido actor principal de 3 obras de teatro y 5 largometrajes, ha producido y conducido 12 diferentes programas de TV de altísima sintonía, todos diseñados para promover la música venezolana, y uno de ellos, lo dedicó a la enseñanza de la cultura popular sólo para niños, éste programa estuvo 10 años en el aire, y de esta experiencia Simón Díaz pasó a llamarse "Tío Simón", nombre con el que se le conoce cariñosamente. Mantuvo la conducción de un programa diario para la radio por espacio de 25 años, también dedicado al folklore y la música venezolana; en su record discográfico cuenta con más de 70 producciones musicales. Son innumerables las actuaciones artísticas que ha realizado a lo largo de su carrera, y en la que ha compartido el escenario con artistas como Mario Moreno "Cantinflas", Plácido Domingo, Lucho Gatica, Marco Antonio Muñíz, Joan Manuel Serrat, Mercedes Sosa, Atahualpa Yupanqui, entre otros. De esta fructífera carrera, celebró en el año 1998, "Los 50 años de Vida Artística".

Ha recibido los premios más importantes que otorga su país en materia musical. Fue distinguido con la más alta condecoración que otorga el estado venezolano, como lo es la "Orden del Libertador en su Orden de Gran Cordón", constituyéndose en el único artista nacional al que se le haya impuesto dicha distinción. Ha representado a su país en Francia, Inglaterra, España, Polonia, Hungría, Irak, Estados Unidos, México, Panamá, Puerto Rico, Ecuador, Chile, Brasil, Cuba y Colombia.

Conocido internacionalmente por ser el autor de "Caballo Viejo" (también llamada Bamboleo), las composiciones de Simón Díaz, al margen de la tonada, han sido interpretadas por artistas como Plácido Domingo, Ray Conniff, Julio Iglesias, Celia Cruz, Rubén Blades, Gilberto Santarrosa, Gipsy Kings, Tania Libertad, María Dolores Pradera, Armando Manzanero,Barbarito Diez, Ry Cooder, Martirio y Oscar de León.
De este modo, Simón Díaz, además de ser el personaje icono de la venezolanidad, es también uno de los compositores populares más valiosos y universales de América Latina, convirtiéndose así en una referencia obligada y pieza indiscutible de la historia de la música popular, tanto en Venezuela como en el resto del mundo.
La prestigiosa cadena de televisión A&E Mundo ha producido un documental en su espacio “Biography” dedicado a la vida de Simón Díaz que se estrenó en el mes de septiembre de 2004.



Simón Díaz grabó su primer disco en el año 1963, y desde entonces ha hecho más de 70 volúmenes a lo largo de su carrera como cantante y compositor. Estas son algunas de las portadas más conocidas de su producción discográfica.






Simón Díaz
y Betty de Díaz
Casa natal de Simón

Con su hija Bettsimar

Betty y Simón
En Nueva York

Con sus nietos

Con Plácido Domingo

Durante un concierto en Nueva York

Con Caetano Veloso


En Nueva York

Con Martirio


A&E Mundo, promoción Biography Simón Díaz




Enlaces a videos.:
Maria
Escrito por Maria
el 03/10/2013


Si bien es cierto que Simón Díaz es conocido generalmente por el rescate de la "tonada llanera", como Género Musical, fundamental en la música popular latinoamericana, también su música ha llegado al lenguaje de la música académica sellando el carácter universal de este hermoso género.

Pero, lo menos conocido de Simón son sus otras características histriónicas y de cultor de la música folklórica y tradicional de Venezuela. Su pasión por el canto y la actuación lo lleva al teatro, el cine y la televisión, proyectándose en los años 60 como uno de los más grandes humoristas de Venezuela y símbolo de las más genuinas expresiones del folklore y la cultura popular.
Fue actor principal de 3 obras de teatro y 5 largometrajes, productor y conductor de 12 programas de TV de altísima sintonía, todos, promoviendo la música venezolana, uno de ellos para enseñar la cultura popular a los niños. Este programa estuvo 10 años en el aire, y por él se le conoce cariñosamente como "Tío Simón".

Por espacio de 25 años,mantuvo la conducción de un programa diario de radio sobre folklore y música venezolana; en su récord discográfico cuenta con más de 70 producciones musicales.

Sus cantos humorísticos y jocosos, son de una extraordinaria y aguda creatividad, incluso rayando en el doble sentido. Por lo general, en este tipo de canto utiliza una voz de falsete, evidentemente, en una forma de acercamiento a la forma popular del habla venezolana.


¡UN ARTISTA GENIAL Y COMPLETO! ¡ADMIRABLE!


Maria
Escrito por Maria
el 05/10/2013

Enlaces a mp3, con temas de Simón Díaz:

Criollo y sabroso. Simón Díaz
El tema N° 1 del Long Play "Caracha Negro" de Simón Díaz.
Criollo y sabroso. Simón Díaz
Una bella canción, interpretada por Simón Díaz, que lo muestra en una faceta diferente en su forma de cantar.
 "El cigarrón colorao" - Simón Díaz
3er tema del Long Play Caracha Negro de Simón Díaz.

 "Madrina" - Simón Díaz
El 4to tema del Long Play Caracha Negro de Simón Díaz.
 "El Súperbloque" - Simón Díaz.
El 5to tema del Long Play Caracha Negro de Simón Díaz.
"Por Elba" - Simón Díaz
El 6to tema del Long Play Caracha Negro de Simón Díaz.
"Pica- Pica Karacatis- Ki  de Simón Díaz
El 7mo tema del Long Play Caracha Negro de Simón Díaz

"María Pancha" de Simón Díaz
El 8vo tema del Long Play Caracha Negro de Simón Díaz.
"El Cantante" de Simón Díaz
El 9° tema del Long Play Caracha Negro de Simón Díaz
"Cobardía" - Simón Díaz
El 10° tema del Long Play, Caracha Negro de Simón Díaz.
"Rosa Guevara" - de Simón Díaz
El 11° tema del Long Play Caracha Negro de Simón Díaz
 " El Peine " - Simón Díaz
El 12° y último tema del Long Play Caracha Negro de Simón Díaz.
"Romance en la lejanía" de Simón Díaz
"Romance en la lejanía" es el 1er tema del Long Play "Grandes Éxitos" de Simón Díaz
"Romance en la lejanía" de Simón Díaz
"Caballo Viejo" Es el 2° tema del LP "Grandes Éxitos" de Simón Díaz
 "Garcita" de Simón Díaz
"Garcita. 3er tema del LP "Grandes Éxitos" de Simón Díaz
 "El Becerrito" - de Simón Díaz
"El Becerrito". 4° tema del LP "Grandes Éxitos" de Simón Díaz
 " Tonada del Cabestrero" - de Simón Díaz
Tonada del Cabestrero" - 5° tema del LP "Grandes Éxitos" de Simón Díaz
 "Luna de Margarita" - de Simón Díaz
"Luna de Margarita". - 6° tema del LP "Grandes Éxitos" de Simón Díaz
 "Sabana" - de Simón Díaz
"Sabana"- 7° tema del LP "Grandes Éxitos" de Simón Díaz
"Mercedes" - de Simón Díaz
"Mercedes". - 8° tema del LP "Grandes Éxitos" de Simón Díaz
 "Tonada de Luna Llena" - de Simón Díaz
"Tonada de Luna Llena". - 9° tema del LP "Grandes Éxitos" de Simón Díaz.
 "Cristal" - de Simón Díaz
"Cristal" - 10° tema del LP "Grandes Éxitos" de Simón Díaz.
"Tonada de las Espigas" - de Simón Díaz
"Tonada de las Espigas" - 11° tema del LP "Grandes Éxitos" de Simón Díaz.
 "Como Pequeña Gota de Rocío" - de Simón Díaz
"Como Pequeña Gota de Rocío" - 12° tema del LP "Grandes Éxitos" de Simón Díaz.
 "Flor de Mayo" - de Simón Díaz
"Flor de Mayo" - 13° tema del LP "Grandes Éxitos" de Simón Díaz.
 "Flor de Mayo" - de Simón Díaz
"Tonada del Tormento" - 14° tema del LP "Grandes Éxitos" de Simón Díaz.
 "Flor de Mayo" - de Simón Díaz
"Todo este campo es mío" - 15° tema del LP "Grandes Éxitos" de Simón Díaz.
 "Flor de Mayo" - de Simón Díaz
" Pasaje del olvido" - 16° tema del LP "Grandes Éxitos" de Simón Díaz
 "Despedida" - de Simón Díaz
"Despedida" - 17° tema del LP "Grandes Éxitos" de Simón Díaz.
 "Despedida" - de Simón Díaz
"Mi Querencia" - 18° tema del LP "Grandes Éxitos" de Simón Díaz

Maria
Escrito por Maria
el 08/10/2013
HÉCTOR PAVEZ CASANOVA. El "INDIO PAVEZ"

Cantante, músico, bailarín y autor, Héctor Pavez es uno de los principales artistas de la música popular que desde los años ‘50 se nutrió de la raíz folclórica en Chile. Su trabajo fue dado por la recopilación folclórica, la Nueva Canción Chilena, la canción social, el compromiso político y la persecución de la dictadura. Chiloé fue eje primordial en la música de Héctor Pavez a partir de su participación en el conjunto Millaray entre 1958 y 1965; cuando hizo recopilaciones como la cueca "La huillincana" y "El lobo chilote" y creaciones propias como "Para bailar sirilla" . También es autor de la popular "Cueca de la CUT", una muestra de la conciencia política.

Héctor Pavez Casanova nació el 1 de diciembre de 1932, hijo de una modista y costurera y de un campesino emigrado y luego artesano. Su cuna estuvo en San Eugenio, barrio obrero marcado por industrias textiles y la maestranza ferroviaria.

Cumplida la educación secundaria en el Liceo Amunátegui de la avenida Portales, Pavez estudió danza flamenca y entró luego a la Escuela de Teatro de la Universidad de Chile, donde tuvo como maestros a los fundadores del Teatro Experimental. De ese tiempo data su conocido alias, cuando hizo el papel de indio en la obra ‘‘ Fuerte Bulnes’’ , de María Asunción Requena: a partir de entonces sería el "Indio Pavez" . También coincidió con compañeros de generación como Delfina Guzmán, Nelson Villagra y Víctor Jara, quien marcaría acercamiento al folclor.

"Descubrió la fuerza de folclor y no soltó más la guitarra" –dice Gitano Pavez, su hijo. Con esa guitarra en mano, en 1957 el Indio Pavez dejó la escuela de teatro y empezó a recopilar música en viajes por la pampa salitrera, el valle central y Chiloé.

CHILOÉ, la CUT y la "CUECA BRAVA".
Ya desde 1955 , Héctor Pavez asistía a los cursos que la investigadora Gabriela Pizarro, dictaba en la Casa de la Cultura de Ñuñoa, y que originaron al conjunto Millaray en 1958. Ambos, cofundadores del grupo, se casaron en 1960 y tuvieron cinco hijos: Gabriela Violeta, Anaís , Valentina, Héctor y Julieta.

"Héctor era mi collera. Él tenía muy buena voz, tenía mucha llegada y desplante. Era buen intérprete", recuerda la folclorista en el libro "Gabriela Pizarro Soto y su andar en el folklore chileno" , de Exequiel Gómez y Elda Sepúlveda. Como parte de Millaray, Héctor Pavez hizo sus primeras investigaciones de la música de Chiloé.

–" Por una cosa social, de machismo que había en Chiloé, mi madre puso a mi padre, a trabajar en el campo de la investigación. Como Héctor Pavez tenía un carisma alegre, era hombre y tenía otra llegada con la gente, era muy simpático, los chilotes le tomaron mucho cariño" –explica su hijo.


Fue en 1965, cuando se separó de Gabriela Pizarro que empezó a grabar en solitario, continuando con la recopilación y la creación. Apoyado por Rubén Nouzeilles, director artístico de Odeon, lanzó los discos " Canto y guitarra" y " Canto popular" . Pavez es el hombre que popularizó el vals "El lobo chilote" , de Porfirio Díaz y Manuel Andrade, el vals "La pobre loca" , de Críspulo Gándara, y la cueca "La huillincana", del chilote Liborio Bórquez, El Cuncuna . Al mismo tiempo, ya en su primer LP escribió "Para bailar sirilla" y entre sus cuecas están ‘‘A Luis Emilio Recabarren’’ y la popular ‘‘Cueca de la CUT’’.


Fue muy frecuente su actuación en la Peña de los Parra, La Candela y la Peña Chile Ríe y Canta, asociada al programa que René Largo Farías había creado en 1963 en radio Minería. En 1967 se realizó la primera gira europea de Chile Ríe y Canta, en la que el Dúo Rey Silva, Quilapayún Patricio Manns ,Silvia Urbina, Héctor Pavez y el cura Fernando Ugarte actuaron durante tres meses en París, Berlín, Budapest, Roma, Madrid, Praga, Leningrado y Moscú. Y a su regreso Héctor Pavez creó el grupo "Cantos y Danzas", integrado por él mismo (voz e instrumentos), su hermana Raquel (danza y coreografía) y Carlos Cabrera (danza), a quienes luego se sumarían Nelly Pavez, Helena González, Delia Muñoz, Hiranio Chávez, futuro director de Chamal, e Ignacio Nacho Chamorro.

Fue impulsor de los tres discos que el legendario grupo de cueca brava santiaguina "Los Chileneros" grabara con Odeon desde 1967, como acredita Hernán Núñez Oyarce, patriarca de ese grupo, en una de las estrofas de su libro "Mi gran cueca" (2005): Fue doña Margot Loyola / y con don Héctor Pavez / y con don Rubén Nouzeilles / nuestros primeros long-plays . Y al mismo tiempo ya actuaba a menudo en actos y concentraciones políticas y sindicales.




EL CORAZÓN Y EL EXILIO.

Héctor Pavez presidió el Comité de Artistas Populares en apoyo a Allende durante la campaña de la UP. En 1971 actuó junto a Rolando Alarcón con el auspicio de la Oficina de Informaciones y Radiodifusión de la Presidencia de la República, que dirigía Largo Farías.

Dos golpes vinieron a minar la salud del cantante en 1973. A raíz de problemas cardíacos que ya habían motivado una intervención quirúrgica, el 23 de julio debió ser nuevamente operado y le fue instalada una válvula en el corazón.

El segundo fue el golpe de Estado del 11 de septiembre. Pavez era presidente del Sindicato de Folcloristas y aún estaba convaleciente al comenzar la persecución posterior al golpe. Su grupo Cantos y Danzas se desintegró y poco después el cantante partió al exilio con a su hermana Raquel, con quien llegó a París en marzo de 1974, instalándose en la comuna de Montreuil.

Tras reformar el conjunto con Raquel, Ramón Pavez, su hermano menor, y Carlos Cabrera, empezó a actuar de lleno. Escribió la cueca " Alerta, pueblos del mundo", denunciando el golpe contra contra Allende. El 1 de mayo de 1974, cantó en un acto de la Confederación de Trabajadores Franceses. Participó como músico en la obra teatral ¿Qué hora será en Valparaíso?d el Théatre des Amandiers en Nanterre, e integró una gira europea encabezada por Hortensia Bussi, viuda de Allende.

Los recuerdos de Pavez, tras esos días constan en su correspondencia con René Largo Farías, publicada en la revista "Chile ríe y canta". " ... Canté en Austria en un impresionante acto de solidaridad con el pueblo chileno. Allí habló la compañera Tencha (Bussi), que ha desplegado una actividad increíble, de enorme valor. Luego iré a Italia y Bélgica, y tengo pendiente una invitación para ir a cantar a Portugal" , escribe el 20 de septiembre de 1974.

........


Llegó a un estado muy crítico, porque debía descansar, pero en Francia empezó a cantar, a moverse, a recibir a los chilenos que venían, no tomó el reposo y eso fue agravando su enfermedad. Todo esto junto a la angustia y la pena –dice Gitano Pavez. En febrero de 1975, Héctor Pavez empezó a grabar un nuevo disco, y la tarea le iba a llevar los últimos meses de vida. Tras una nueva crisis, murió a los 42 años, el 14 de julio de 1975, en un aniversario de la revolución francesa. Un grupo de exiliados chilenos, más Osvaldo Gitano Rodríguez,Marcos Velásquez y Marcelo Coulon, que interpretaron sus mejores cuecas y canciones como último homenaje, lo despidió en el cementerio Pére Lachaise, donde sus restos están hasta hoy.

...........


Héctor Pavez dejó unas palabras escritas en la carátula de ese disco póstumo." Estas trece danzas cantadas son del pueblo chileno. Con ella el hombre de mi patria ríe y canta. Desde el fondo de su alma junto a su vibrante alegría se mezclan el dolor en una expresión mágica. Esas danzas llegaron a Chile con los españoles pero no buscaron ser acogidas en los salones. El pueblo se las apropió y las recreó. Las ha hecho criollas, confidentes y compañeras inseparables". Y el 11 de junio de 1975, tres meses antes de morir, escribió a Largo Farías sobre sus últimos planes. "El disco quedó hermoso. Gran foto en la carátula. Aparecerá en septiembre. Siento que mi voz y la de Chile irán por toda Europa en esas trece danzas bailadas por el pueblo".

David Ponce . Foto: Memoria chilena.

*******************************************

ENTREVISTA DE OSCAR VEGA.

El periodista Óscar Vega entrevistó a Pavez en marzo de 1973 en el suplemento dominical del diario “Clarín”. En ese reportaje el artista se define como “una persona consecuente con el presente, con las luchas del ser humano y con sus afanes de emancipación”. Dice: “Voy como sumando lo antiguo y creando en el presente, queriendo lo mejor para nuestra patria”. Agrega: €˜El folklore tradicional es la veta de sustentación. Pero los dolores, las angustias, la justicia social están siempre presentes en nuestro canto, Y lógicamente, nosotros no podemos defender posiciones de avanzada cantando temas románticos. No podemos quedarnos en el lamento deprimido. Por eso vamos insistentemente a lo nuestro, a la canción social que trata de presentar los problemas, darles una luz. Esa canción que emerge del pueblo sale del gris para pasar por los tonos claros y llegar, por último, a la plenitud del dolor, al rojo vivo, a la vida. Ahí perdura. Y ese es el sentido de nuestro combate”.

Discípulo de Violeta Parra subraya: “La canción social es la más válida. El pueblo la siente como suya. Y por lo mismo este tipo de canción es atacada donde imperan el amo y la Injusticia. El camino ha sido largo y con dificultades pero lo más importante es que la gente entregada al oficio se ha Ido multiplicando. Crecen los que de una forma u otra están con el folklore, comprometidos con la canción política, con el mensaje popular, llenos de sentimientos que preocupan a las mayorías”.

Haciendo rápidos recuerdos señala:
“Primero empezó en este campo Margot Loyola. Ella fue la que llenó la parte más difícil e ingrata. Abrió perspectivas y ya en el año 38 mostró el sendero. Luego vino ese largo capítulo que se llamó Violeta Parra. Más tarde todos los que de una u otra nos identificamos con la nueva canción chilena. Todas son etapas muy definidas y ricas que se irán superando y donde nuestro pueblo ha salido, finalmente ganancioso”.

margot_loyola.jpg

Al finalizar la entrevista de Vega, Pavez cuenta el por qué de su profundo apego al folklore y a los habitantes de Chiloé: “Chiloé es mágico. Es un pueblo creador. Conserva las más puras tradiciones del pasado. Chiloé ha marcado a fuego mi labor artística dándome una proyección”.

*******************************************

EDMUNDO VERA.

” ¿Me creen si les cuento que a pocas semanas del sangriento golpe militar hubo una reunión entre asesinos y asesinados, entre masacradores y masacrados, entre torturadores y torturados?

Así no más fue. La insólita conversación fue impulsada ingenuamente -creemos- por Rubén Nauzeilles, ejecutivo del sello ODEON, empresa que dio un importante apoyo al canto popular chileno. La reunión debía efectuarse a fines de octubre o en noviembre de 1973 y tuvo como objetivo saber qué iba a pasar con los artistas de la Unidad Popular, cuáles iban a ser sus posibilidades de trabajo, qué ocurriría con los artistas presos, en fin. La delegación estuvo encabezada por Héctor Pavez e integrada por dos representantes del Conjunto “Cuncumén”, Homero Caro, Raquel Pavez, Hilda Parra (hermana de Violeta), por un delegado del Sindicato de Folcloristas. Debieron asistir también, pero no aparecieron, Richard Rojas, Maruja Espinoza y representantes de la Federación de Conjuntos Folclóricos.

Acerca de esta increible reunión, nos da algunos detalles Héctor Pavez:

“…Nosotros desconocíamos el fascismo y era necesario saber. La realidad era mucho más tenebrosa que lo que pensábamos. Nos recibió el coronel Ewing con un séquito de oficialitos jóvenes, algunos mayores llenos de charreteras, sub-oflciales armados hasta los dientes, escribanos, grabadoras… Estábamos frente a frente a los asesinos, en una misma mesa. Yo estaba lleno de calma; era una tarea dura pero había que cumplirla, ya estábamos en el baile. Entre los militares, dos civiles; uno era Benjamín Mackenna de los “Huasos Quincheros’ cerebro artístico de la Junta. Nos dijeron la firme: Que iban a ser muy duros, que revisarían con lupa nuestras actitudes, nuestras canciones, que nada de flauta, ni quena, ni charango, porque eran instrumentos identificados con la canción social; que el folclor del norte no era chileno; que la Cantata Santa Matía era un crimen histórico de “lesa patria”; que si Ángel era inocente, como blanca paloma volaría; que los “Quilapayún” eran responsables de la división de la juventud chilena.. Que agradecían la presencia de Hilda, porque para ellos la familia Parra era muy querida…” y a mí se me revolvía el estómago, porque ya sabíamos de las torturas a Angel en el Estadio Nacional. Bueno, allí supimos claramente que no había nada que hacer, absolutamente nada, a menos que nos transformáramos en colaboradores de la Junta”.

Y ése no era el destino para el Indio Pavez, cuya inquieta vida estaba marcada por una entrega absoluta a la causa popular. En febrero de 1974 salió de Valparaiso rumbo a París, donde murió un año después, el 14 de julio de 1975 en plena celebración del Día Nacional de Francia.

*******************************************

RENÉ LARGO FARÍAS

· Revista “CHILE RÍE Y CANTA”

Vamos a recordar a Héctor con palabras suyas, fragmentos de cartas que revelan de manera clara su decisión de combatir desde el exilio y también su profunda nostalgia por la tierra ausente.

10 de abril de 1974:
€˜.. Hoy me he puesto a recordar la Peña y he vuelto a verlo todo, tal como estaba, y he visto a Cristina en el escenario con su manto de arcoiris, prodigando generosidad y anunciando a sus artistas con cariño, y me he visto allí con mi guitarra, sentado frente al público, entregando un mensaje; he visto otra vez a los muchachos de la J con sus camisas color amaranto tiñéndolo todo de alegría. Respirábamos el mismo aire, y luego tomábamos una copa de nuestro sonoro y caliente vino. Teníamos derecho, eramos responsables de una parte de la lucha, estábamos trabajando, construyendo, aprendíamos a ser mejores. Teníamos derecho a tomarnos un trago de tinto color sangre, teníamos derecho al calor del amor, a respirar a pleno pulmón la dicha de ser protagonistas de la gesta de la liberación…”

28 de junio de 1974:
€˜.. Acá la resistencia toma cada día mayores dimensiones. Es una ola tan enorme que debe tener aterrados a los fascistas. Los señores embajadores de la Junta viven aterrorizados con una custodia policial inusitada; la lucha de Chile es la lucha de todos los pueblos libres del mundo; nuestro trabajo es recordar con canciones lo que es el fascismo desatado. La solidaridad es tan grande que dan ganas de llorar a gritos de alegría y esperanza. Con Raquel y otros compañeros hemos recorrido casi toda Europa y hemos actuado en cada teatro, en cada plaza, en cada sindicato, en cada lugar donde haya un hombre que nos escuche…”

20 de septiembre de 1974:
“.. Recibí “Operación Chile”. Gracias. Es apasionante, me parece objetivo, terrible; me parece estar viviendo de nuevo los días del infierno. Es un relato trágico que hace claridad en muchas coses. Canté en Austria en un impresionante acto de solidaridad con el pueblo chileno, allí habló la compañera Tencha que ha desplegado una actividad increíble, de enorme valor. Luego iré a Italia y Bélgica, y tengo pendiente una invitación para ir a cantar a Portugal. Te mando mi cueca Alerta Pueblos del Mundo, a la que se le debe buscar una melodía profunda, debe ser más bien una cueca lenta, perfectamente rítmica y bien pronunciada; debe tener la tristeza y la venganza, el llanto y la alegría, como el espíritu de nuestra raza: Alerta Pueblos del Mundo que el fascismo está presente y que en la nación chilena mataron al Presidente. Y la sangre de Allende corrió a torrentes, fue vista por los pueblos y continentes y continentes si, qué canallada, porque quería libre la patria amada. Tu muerte no es en vano, Allende hermano…!

9 de enero de 1975:
“…no, no he muerto todavía. Morir en París es cosa poco común para un chileno, y más aún ser enterrado el Cementerio Pére Lachaise junto a Jouvet, Madeleine Renaud o Edith Pial, pero prefiero no morirme todavía. Tengo muchas cosas que hacen todo lo que un día soñé o imaginé como imposible se me está cumpliendo en esta querida segunda patria francesa. Dile a esos amigos que no me maten aún. Los plazos estipulados llegarán pero todo a su tiempo. Mi quehacer artístico va tomando madurez de la necesidad de vivir más intensamente el despliegue estallante de mi espíritu; sigo desarrollando la misma línea de canto folclórico chileno. Europa vuelve su mirada hacia la tierra, va a un reencuentro con la naturaleza; la canción simple, expresiva, sincera y bella retoma su lugar Europa busca con pasión el folclor, la juventud va por todos los caminos con su guitarra bajo el brazo…”

11 de junio de 1975:
“…el disco quedó hermoso. Gran foto en la carátula. Aparecerá en septiembre. Siento que mi voz y la de Chile irán por toda Europa en esas trece danzas bailadas por el pueblo…”

Pero la guitarra chilota del Indio Pavez se quedó muda en París. No sé si habrá quedado en Pére Lachaise, junto a la Piaf o Jouvet; lo que sí sé, es que volverá con nosotros cuando la patria baile la cueca larga de la liberación.

*******************************************

..................

****************************************************

Maria
Escrito por Maria
el 09/10/2013


MÚSICA DE COSTA RICA.

Guadalupe Urbina
La cantante costarricense Guadalupe Urbina nació en la provincia de Guanacaste y es una fiel representante de su riqueza cultural. Es la menor de una familia campesina de diez hermanos y recuerda que desde pequeña, su madre, Angelita Juárez, es su mayor fuente de inspiración. Ella la introdujo al mundo de los cuentos tradicionales que más tarde se convirtieron en la cantera de donde brota su vocación y se desarrolla su carrera profesional.

Por sus orígenes y su formación, Guadalupe guarda un profundo respeto a la naturaleza y a su cultura local, y se ha ganado un lugar relevante en el medio musical costarricense y reconocimiento por la calidad de su trabajo musical en América Latina y Europa.

A los once años, tras la muerte de su madre, se traslada a vivir con sus hermanas en San José; allí termina su secundaria y luego ingresa a la Universidad Nacional para realizar estudios musicales. Muy pronto resaltan su talento y sus composiciones, obteniendo por dos años consecutivos el primer lugar en los festivales de la canción universitaria.

En 1988 se presentó en el Estadio Nacional junto a Bruce Springsteen, Sting, Tracy Chapman, Peter Gabriel and Youssou N'Dour.

Desde 1987 Guadalupe se convirtió en una viajera del mundo. Se ha presentado en muchos lugares, tanto en América Latina como en Europa y África.

La prensa holandesa elogió en varias ocasiones su participación en el Festival Latinoamericano en el Vredenburg Muziek Centrum en Holanda y Bélgica. Ha participado en eventos culturales en El Salvador, Guatemala, México, Colombia, el Vancouver Folk Music en Canadá, en Senegal y Mali en África, y ha viajado por casi toda Europa.

Las canciones de Guadalupe se inspiran en sus raíces culturales, las experiencias de la vida y las memorias de su infancia en la provincia de Guanacaste. Como nadie comprende la dureza de la vida para los pueblos agricultores en el campo, en sus casas y en su tierra, ella participa con pasión en eventos relacionados con la paz y la justicia social, Amnistía Internacional y los Derechos de las Mujeres.


El trabajo de Guadalupe se ha enriquecido a través de los años. Además de su carrera musical es bien conocida por su trabajo de recopilación de la tradición oral de su provincia.

En 1994 recibió el Premio Gaviota, en el Círculo de Bellas Artes de Madrid, por su trabajo en la narración oral, y en 1995 Radio Francia le otorgó el Premio América de los Descubrimientos, premio que recibió en Senegal de manos de Youssou N'Dour, y en donde actuó de nuevo junto a él y a Lokua Kanza.

Escuchar la voz de Guadalupe es entrar en una fuerte experiencia musical. Cuando canta, sus cuerdas vocales emiten sonidos altos y bajos que desencadenan emociones; aún cuando la audiencia no entienda el significado de las palabras, se sumerge en la intensidad de sus sentimientos.


Guadalupe Urbina es presidenta de la Fundación Voz Propia, que se esfuerza para crear, preservar y promover las producciones artísticas de relevancia social comunitaria que tocan los corazones de la humanidad. La fundación, desde su origen en 1999, le ha dado especial atención a la formación de las niñas y los niños en el campo de las artes, y a las producciones músico-teatrales elaboradas por ella-os misma-os, para ayudar a las personas a apreciar sus expresiones artísticas culturales y su identidad, y a valorar la importancia de la música y el teatro como medios de expresión y transformación social.


También ha creado una serie de pinturas con reminiscencias precolombinas inspiradas en sus raíces étnicas. ___________________________________________________________________

Aurelia Dobles T. 2010 Tomado de: Verona Fonté at Iris Arts and Education Group. Guadalupe Urbina y Fundación Voz Propia

___________________________________________________________

Si desea conocer más de Guadalupe Urbina, por favor visite Http://www.youtube.com/watch? V=SjFESIovhAA . También puede visitar: https://www.musica4all.com/buscar/guadalupe+urbina/1 o su página web https://www.guadalupeurbina.com/


GALLERIA DE PINTURAS de:

GUADALUPE URBINA

Cuando empecé a pintar fui llevada por un impulso que yo misma no comprendía pero que sí reconocí como propio. En la creación artística siempre me ha gustado que me sorprenda lo insólito del pasado, lo incomprensible, lo oculto, lo que habita en mi código genético como una danza molecular primaria a la que no vale la pena resistirse. Resistir al impulso creativo por temor a no saber cómo definirlo o de no estar a la moda sería como cortarme las venas y dejarme escurrir por los caños de la modernidad.


De la mano de los libros de arqueología y antropología mesoamericana me llegaron las memorias del futuro y los sueños del pasado. Aquí está la voz de mi maestro y poeta querido Manlio Argueta en el Salvador, de mi querida activista y guía espiritual Marina Molina en Guatemala, los malabares de los niños y las niñas del circo callejero de Granada, las piedras mágicas de Longo Mai en San Isidro de El General y el río secreto que Anayenci Herrera cuida con celo en Liberia.

El poder de la Selva Tropical se devolverá en ríos y huracanes cuando dejen de cantar sus pájaros y de flor cer sus ceibas. Quiero estar para verlo. Quiero un paraíso, ese que me heredaron y que nos pertenece. Quiero el paraíso que nombramos en los primeros balbuceos, cuando llueve sin parar.

Las pinturas de Guadalupe se pueden exponer en galerías y museos interesados en explorar las culturas precolombinas, su impacto en el arte actual.

En las pinturas, la poesía y las canciones de Guadalupe encontramos arquetipos ancestrales, el bosque tropical mágico, sus volcanes activos y la flora y la fauna única de los bosques tropicales centroamericanos.

----------------------------------------------------------------------------------------

.......

..


Esperanza Z.c.
Caldas, Colombia
Escrito por Esperanza Z.c.
el 09/10/2013

Me encantó Guadalupe. Gracias María

Un abrazo