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Grupo de Jazz



"At Jazz Hot Club"

Maria Natal
Licenciatura em política social univer...
Escrito por Maria Natal Guerreiro
el 31/12/2012


"AT JAZZ HOT CLUB"

Es el nombre de este espacio donde seron presentados los enlaces de piezas de jazz compartidas y informaciones importantes sobre jazz y jazzistas.






Imagen: www.walldesk.com. Br

Maria Natal Guerreiro
Licenciatura em política social univer...
Escrito por Maria Natal Guerreiro
el 31/12/2012


SESÌÓN DE NOCHEVIEJA



Art Tatum - Liza

https://grupos.emagister.com. Mx/documento/art_tatum__liza/1395-1132155


Bud Powel Trio - Bud's Bubble

https://grupos.emagister.com. Mx/documento/bud_powel_trio__bud_s_bubble/1395-1132157


Thelonious Monk - Well, You Needn't

https://grupos.emagister.com. Mx/documento/thelonious_monk__well_you_needn_t/1395-1132158


Errol Garner - Exactly Like You



https://grupos.emagister.com. Mx/documento/errol_garner__exactly_like_you/1395-1132159


Cecil Taylor - Song

https://grupos.emagister.com. Mx/documento/cecil_taylor__song/1395-1132160


The Horace Silver Quintet - The St. Vitus Dance

https://grupos.emagister.com. Mx/documento/the_horace_silver_quintet__the_st_vitus_dance/1395-1132161


Bill Evans - My Funny Valentine

https://grupos.emagister.com. Mx/documento/bill_evans__my_funny_valentine/1395-1132162


Oscar Peterson Trio - Things Ain't What They Used To Be

https://grupos.emagister.com. Mx/documento/oscar_peterson_trio__things_ain_t_what_they_used_to_be/1395-1132163


Maria Natal Guerreiro
Licenciatura em política social univer...
Escrito por Maria Natal Guerreiro
el 23/01/2013


SESIÓN CON ERIC DOLPHY

Eric Dolphy ( Los Ángeles , 20 de junio de 1928 - Berlín , 29 de junio de 1964), flautista , clarinetista (bajo) y saxofonista (alto) estadounidense de jazz . Aunque con aproximaciones exitosas al bop , su ámbito estilístico es el de la vanguardia jazzística en general, incluido el free jazz . Es un solista exuberante y un músico permeable a la utilización de sonidos no convencionales en sus interpretaciones.

Dolphy fue el primer flautista en desvincularse del bop (influido por James Newton ) e introdujo y desarrolló el uso del clarinete bajo en el mundo del jazz como instrumento de solista.

Las primeras grabaciones de Dolphy las realizó durante su estancia con la orquesta de Roy Porter , en Los Ángeles , entre 1948 y 1950. Estuvo en el ejército durante dos años y después tocó anónimamente en esa misma ciudad hasta que se unió al Chico Hamilton Quintet en 1958. En 1959 se estableció en Nueva York y se unió al Charles Mingus Quartet. Hacia 1960, grababa de forma habitual como líder para Prestige y conseguía ganar atención a su trabajo con Mingus, aunque con dificultades debido a su innovador estilo. Durante 1960 y 1961 grabó, entre otros, tres discos en el Five Spot acompañado del trompetista Booker Little , tocó free jazz con Ornette Coleman , participó en algunas sesiones con Max Roach y en varias en Europa .

A finales de 1961, Dolphy pasó a formar parte del John Coltrane Quintet; su actuación en el Village Vanguard provocó críticas conservadoras, acusándosele de tocar anti-jazz en unos solos extensos y muy libres. Durante 1962 y 1963 tocó un jazz más clásico con Gunther Schuller y la Orchestra U.S.A. , y siguió experimentando con su propio grupo. En 1964 grabó su disco clásico Out to Lunch para Blue Note y viajó a Europa con el Charles Mingus Sextet. Se estableció en el continente y murió a los 36 años por un coma diabético .

Selección discográfica


1960: Outward Bound (New Jazz/OJC)

1960: Fire Waltz ( Prestige )

1960: Out There (New Jazz/OJC)

1960: Magic (Prestige)

1960: Far Cry (New Jazz/OJC)

1960: Eric Dolphy (Prestige)

1961: The Quest (Prestige)

1961: The Great Concert of Eric Dolphy [live] (Prestige)

1963: Iron Man (Restless)

1963: Jitterbug Waltz (Casablanca)

1963: The Illinois Concert [live] (Blue Note)

1964: Out to Lunch (Blue Note)

1964: Last Date (Verve)


Fuente: Wikipedia



ERIC DOLPHY




Maria Natal Guerreiro
Licenciatura em política social univer...
Escrito por Maria Natal Guerreiro
el 10/04/2013

MÁS UN ESPECIAL EN "AT JAZZ HOT CLUB" de nuestro grupo de Jazz


"GLORIAS DEL JAZZ"


ORIGEN DEL JAZZ - CONCEPTOS DECADA DEL 30/40



Durante la segunda mitad de la década, las orquestas con mayor número de músicos y con base en el jazz se hicieron populares y la improvisación colectiva que distinguía el estilo Dixieland se encontró fuera de moda y restringida a pequeños grupos. Otro de los efectos de la Depresión fue desplazar al Dixieland casi completamente por más de diez años. El público no quería acordarse de la época desenfrenada de los años ‘20 y por algunos años prefirió las baladas y la música de baile. Sin embargo, cuando en 1935 repentinamente se hizo famoso Benny Goodman, una nueva generación demostró que lo que le interesaba era hacer lo que fuera para ignorar la Depresión y pasarlo bien bailando con orquestas de swing. El período de 1935 a 1946 se conoce como la era de las Big Bands, o grandes orquestas, que dominaron los rankings de la música popular. También en la misma década, el jazz fue una parte importante de la música popular, no sólo una influencia como lo había sido anteriormente. Glenn Miller y Artie Shaw vendieron millones de discos y Benny Goodman, Count Basie y Duke Ellington eran nombres reconocidos por el público en general.


Por esos años el jazz se desarrolló de varias maneras. Nuevos solistas, como los pianistas Art Tatum y Teddy Wilson y los trompetistas Roy Eldrige y Bunny Berigan, inventaron estilos alternativos. Los arreglos de las Big Bands se tornaron más sofisticados, el Dixieland revivió y fue redescubierto (la Yerba Buena Jazz Band de Lou Watters fue en parte responsable por este renacimiento), y se celebraba el jazz como una parte importante de la cultura norteamericana. Lamentablemente, esta era de oro de popularidad no duraría.


Como consecuencia de la evolución continua del jazz, fue tal vez inevitable que avanzara más rápidamente que las preferencias del público en cuanto a música popular. Al principio de los ‘40 muchos de los jóvenes músicos quisieron ir más allá de la música de swing y desarrollar sus propios conceptos. El saxofonista Charlie Parker y el trompetista Dizzy Gillespie fueron los fundadores principales de un nuevo estilo llamado bepob o bop, pero no fueron los únicos y docenas de otros se les unieron. Una de las características del bebop era introducir el tema rápidamente para luego iniciar las improvisaciones. Las armonías y ritmos se hicieron mucho más complicados y, más importante aún, la música que se tocaba era cada vez menos apta para bailar. Una huelga de grabación entre los años 1942 y 1944, un impuesto prohibitivo a los espectáculos – el cual hizo cerrar a muchos de los salones de baile- y la creciente acogida del público a los cantantes populares, condenaron a las Big Bands a su extinción. Al mismo tiempo, la eliminación de las pistas de baile en mucho de los clubes convirtió al jazz en una música estrictamente para ser escuchada. Al ser elevada a nivel de música de arte, el jazz se aisló del mundo de la música popular y su público disminuyó drásticamente, mientras otros estilos más simples se creaban para llenar el vacío.


Sin embargo, la decaída comercial no frenó el crecimiento artístico del jazz. El bop, inicialmente considerado un estilo revolucionario (la huelga de grabaciones no les permitió a muchos conocer su gradual crecimiento), se transformó en la parte más importante de la corriente del jazz al comenzar la década de los ‘50. El cool jazz, jazz de la costa oeste, que daba más énfasis a tonos y arreglos más suaves y que llegó a la cima de su popularidad a media década, y el hard bop (que incorpora los elementos de más sensibilidad del jazz [soul] descartados por los creadores y seguidores del bebop), fueron ramas del bebop que tuvieron sus aficionados. Pero con el surgimiento de la avant garde, o free jazz, la música improvisada experimentó el mayor salto, abandonando aún a más seguidores.





Maria Natal Guerreiro
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Escrito por Maria Natal Guerreiro
el 10/04/2013

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INFORMACIÓN - "AT JAZZ HOT CLUB"




Los mejores trompetistas del jazz

Tema: 1n "Taringa"


1. MILES DAVIS





Se trata de una de las figuras más relevantes e influyentes de la historia del jazz, junto con artistas como Louis Armstrong, Duke Ellington, Charlie Parker y John Coltrane. La carrera de Miles, que abarca cincuenta años, recorre la historia del jazz a lo largo de toda la segunda mitad del siglo XX, caracterizándose por su constante evolución y búsqueda de nuevos caminos artísticos: Davis participa con igual fuerza del bebop y del cool, como del hardbop y de la vanguardia jazzística, sobre todo en su vertiente modal y de fusión con el rock. El sonido de su trompeta es absolutamente característico por su uso de la sordina de acero Harmon, que le proporcionaba un toque más personal e íntimo; el sonido es suave y melódico, a base de notas cortas, tendente al lirismo y a la introspección.

Miles Dewey Davis III nace en Alton, Illinois el 25 de mayo de 1926. A los trece años recibe en su cumpleaños una trompeta. Su educación empezará con el trompetista Elwood Buchanan. En su estancia en el instituto participa en su big-band, así como en distintas jam-sessions. Conoce en esa época al trompetista Clark Terry y a los saxofonistas Sonny Stitt e Illinois Jacquet que le proponen unirse a ellos para trabajar en distintos proyectos, pero la presión ejercida por su madre le obliga a terminar con sus estudios en el instituto. Entre los años 1941-1943 ingresa en una orquesta local, los "Blue Devils" de Eddie Randall a la vez que perfecciona su estilo junto a Clark Terry. En 1944 es uno de los "Six Brown Cats" de Adam Lambert y participa en una gira del grupo. Regreso a East St. Louis dónde debía tocar en la orquesta de Billy Eckstine, de la que formaban parte Dizzy Gillespie y Charlie Parker, para unos cuantos conciertos en la región. A partir de ese momento el tocar con Bird en Nueva York se convertirá en una obsesión.
El 6 de mayo de 1945 (ya en Nueva York) debuta discográficamente con el sexteto del clarinetista y saxo tenor Herbie Field en una formación que integraba además a Arnette Cobb, Lionel Hampton, Al Casey, Slam Stewart y Fred Radcliff con 4 temas para Savoy. En esa época toca con Coleman Hawkins, Benny Carter, Eddie Davis, vuelve a encontrarse con Bird, que le presenta a Thelonious Monk, quien le aconseja estudie piano. El 26 de noviembre de 1945 graba finalmente con Charlie Parker, con quien trabajará regularmente entre 1946-1948.
A continuación actúa al frente de distintos grupos, entre ellos un noneto con el que entre 1949 y 1950 grabará el seminal "Birth of the Cool" (editado unos años después). Viaja en 1949 a París para actúar en quinteto con Tadd Dameron y Kenny Clarke en el Festival Internacional de Jazz. Tras su regreso a Nueva York sigue actuando con diferentes formaciones pequeñas y grabando con los mejores músicos de ese momento (Sonny Rollins, Sarah Vaughan, Jackie McLean, Horace Silver, Charles Mingus, Thelonious Monk, Milt Jackson entre otros) hasta que forma un quinteto con John Coltrane, Red Garland, Paul Chambers y Philly Joe Jones (1955-1956). En 1957 graba en París con Barney Wilen, René Urtreger, Pierre Michelot y Kenny Clarke la música de la película "Ascenseur pour l’echafaud" (Ascensor para el cadalso). En este año inicia la colaboración con Gil Evans que se plasmará en discos como "Miles Ahead" o "Sketches of Spain". En 1958 dará vida a su sexteto que incluye dos saxofones –Cannonball Adderley y John Coltrane-, el pianista Red Garland –que será sustituido sucesivamente por Bill Evans y finalmente por Wynton Kelly-, Paul Chambers y el batería Philly Joe Jones – sustituido posteriormente por Jimmy Cobb-, con quienes graba entre otros "Milestones" y "Kind Of Blue".
Hasta 1963 permanecerá estable esta sección rítmica –Kelly, Chambers y Cobb- pasando por su formación diversos saxofonistas –Sonny Stitt y Hank Mobley- , que es cuando llama para su grupo al pianista Herbie Hancock, al contrabajista Ron Carter, al batería Tony Williams y al saxofonista George Coleman que pronto es sustituido por Wayne Shorter (tras un breve paso por la formación de Sam Rivers) con los que graba otro puñado de obras maestras –"E.S.P. ", las grabaciones de "Plugged Nickel", "Miles Smile" y "Nefertiti"-. Es a finales de la década de los 60 cuando se produce un nuevo cambio y comienzan sus experimentaciones con el jazz y el rock, que empezará a desarrollar con obras maestras como "In a Silent Way" y "Bitches Brew" y seguirá con "A tribute to Jack Johnson", "Live-Evil" o "Agartha". A la vez por sus formaciones se van sucediendo jóvenes músicos sensacionales como Dave Holland, Keith Jarrett, Chick Corea, Jack DeJohnette, Joe Zawinul, Dave Liebman, Gary Bartz, Bennie Maupin, Sonny Fortune y John McLaughlin. Es en esa época cuando se produce un rechazo por una parte de los aficionados y la crítica, quienes se sienten traicionados por este cambio del trompetista mientras que por el contrario es uno de los músicos de jazz que goza de mayor popularidad.
A pesar de todo ello y debido a una serie de problemas diversos en 1975 se inicia un silencio de Miles Davis que durará hasta el principio de los años 80 cuando regresa rodeado de músicos jóvenes como Bob Berg, Bill Evans, Kenny Garret, Mike Stern, John Scofield, Adam Holzman, Robert Irving, Marcus Miller, Marylin Mazur, Mino Cinelu y Al Foster entre otros. En esa época continuará trabajando con ritmos que acercan nuevamente el jazz y el pop dejando obras como "Tutu" y "Aura", trabajando con músicos pop como Cindy Lauper –"Time After Time-, Sting y Prince. Finalmente fallece en 1991 en Santa Mónica, California, USA, a los 65 años.
MILES DAVIS



Se trata de una de las figuras más relevantes e influyentes de la historia del jazz, junto con artistas como Louis Armstrong, Duke Ellington, Charlie Parker y John Coltrane. La carrera de Miles, que abarca cincuenta años, recorre la historia del jazz a lo largo de toda la segunda mitad del siglo XX, caracterizándose por su constante evolución y búsqueda de nuevos caminos artísticos: Davis participa con igual fuerza del bebop y del cool, como del hardbop y de la vanguardia jazzística, sobre todo en su vertiente modal y de fusión con el rock. El sonido de su trompeta es absolutamente característico por su uso de la sordina de acero Harmon, que le proporcionaba un toque más personal e íntimo; el sonido es suave y melódico, a base de notas cortas, tendente al lirismo y a la introspección.

Miles Dewey Davis III nace en Alton, Illinois el 25 de mayo de 1926. A los trece años recibe en su cumpleaños una trompeta. Su educación empezará con el trompetista Elwood Buchanan. En su estancia en el instituto participa en su big-band, así como en distintas jam-sessions. Conoce en esa época al trompetista Clark Terry y a los saxofonistas Sonny Stitt e Illinois Jacquet que le proponen unirse a ellos para trabajar en distintos proyectos, pero la presión ejercida por su madre le obliga a terminar con sus estudios en el instituto. Entre los años 1941-1943 ingresa en una orquesta local, los "Blue Devils" de Eddie Randall a la vez que perfecciona su estilo junto a Clark Terry. En 1944 es uno de los "Six Brown Cats" de Adam Lambert y participa en una gira del grupo. Regreso a East St. Louis dónde debía tocar en la orquesta de Billy Eckstine, de la que formaban parte Dizzy Gillespie y Charlie Parker, para unos cuantos conciertos en la región. A partir de ese momento el tocar con Bird en Nueva York se convertirá en una obsesión.
El 6 de mayo de 1945 (ya en Nueva York) debuta discográficamente con el sexteto del clarinetista y saxo tenor Herbie Field en una formación que integraba además a Arnette Cobb, Lionel Hampton, Al Casey, Slam Stewart y Fred Radcliff con 4 temas para Savoy. En esa época toca con Coleman Hawkins, Benny Carter, Eddie Davis, vuelve a encontrarse con Bird, que le presenta a Thelonious Monk, quien le aconseja estudie piano. El 26 de noviembre de 1945 graba finalmente con Charlie Parker, con quien trabajará regularmente entre 1946-1948.
A continuación actúa al frente de distintos grupos, entre ellos un noneto con el que entre 1949 y 1950 grabará el seminal "Birth of the Cool" (editado unos años después). Viaja en 1949 a París para actúar en quinteto con Tadd Dameron y Kenny Clarke en el Festival Internacional de Jazz. Tras su regreso a Nueva York sigue actuando con diferentes formaciones pequeñas y grabando con los mejores músicos de ese momento (Sonny Rollins, Sarah Vaughan, Jackie McLean, Horace Silver, Charles Mingus, Thelonious Monk, Milt Jackson entre otros) hasta que forma un quinteto con John Coltrane, Red Garland, Paul Chambers y Philly Joe Jones (1955-1956). En 1957 graba en París con Barney Wilen, René Urtreger, Pierre Michelot y Kenny Clarke la música de la película "Ascenseur pour l’echafaud" (Ascensor para el cadalso). En este año inicia la colaboración con Gil Evans que se plasmará en discos como "Miles Ahead" o "Sketches of Spain". En 1958 dará vida a su sexteto que incluye dos saxofones –Cannonball Adderley y John Coltrane-, el pianista Red Garland –que será sustituido sucesivamente por Bill Evans y finalmente por Wynton Kelly-, Paul Chambers y el batería Philly Joe Jones – sustituido posteriormente por Jimmy Cobb-, con quienes graba entre otros "Milestones" y "Kind Of Blue".
Hasta 1963 permanecerá estable esta sección rítmica –Kelly, Chambers y Cobb- pasando por su formación diversos saxofonistas –Sonny Stitt y Hank Mobley- , que es cuando llama para su grupo al pianista Herbie Hancock, al contrabajista Ron Carter, al batería Tony Williams y al saxofonista George Coleman que pronto es sustituido por Wayne Shorter (tras un breve paso por la formación de Sam Rivers) con los que graba otro puñado de obras maestras –"E.S.P. ", las grabaciones de "Plugged Nickel", "Miles Smile" y "Nefertiti"-. Es a finales de la década de los 60 cuando se produce un nuevo cambio y comienzan sus experimentaciones con el jazz y el rock, que empezará a desarrollar con obras maestras como "In a Silent Way" y "Bitches Brew" y seguirá con "A tribute to Jack Johnson", "Live-Evil" o "Agartha". A la vez por sus formaciones se van sucediendo jóvenes músicos sensacionales como Dave Holland, Keith Jarrett, Chick Corea, Jack DeJohnette, Joe Zawinul, Dave Liebman, Gary Bartz, Bennie Maupin, Sonny Fortune y John McLaughlin. Es en esa época cuando se produce un rechazo por una parte de los aficionados y la crítica, quienes se sienten traicionados por este cambio del trompetista mientras que por el contrario es uno de los músicos de jazz que goza de mayor popularidad.
A pesar de todo ello y debido a una serie de problemas diversos en 1975 se inicia un silencio de Miles Davis que durará hasta el principio de los años 80 cuando regresa rodeado de músicos jóvenes como Bob Berg, Bill Evans, Kenny Garret, Mike Stern, John Scofield, Adam Holzman, Robert Irving, Marcus Miller, Marylin Mazur, Mino Cinelu y Al Foster entre otros. En esa época continuará trabajando con ritmos que acercan nuevamente el jazz y el pop dejando obras como "Tutu" y "Aura", trabajando con músicos pop como Cindy Lauper –"Time After Time-, Sting y Prince. Finalmente fallece en 1991 en Santa Mónica, California, USA, a los 65 años.


Este artículo va continuar en futuros post's en este debate.


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Maria Natal Guerreiro
Licenciatura em política social univer...
Escrito por Maria Natal Guerreiro
el 18/06/2013

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BILLIE HOLIDAY


Eleanora Fagan, conocido en todo el mundo por Billie Holiday, nació el 07 de abril de 1915. Uno del primer negro a cantar con una banda blanca se considera una leyenda entre los cantantes de jazz. Un número de generaciones, influenciado por su forma única de interpretar sus canciones y
Fue apodada por Lester Young en cierto período de "Lady Day".

Su madre quedó embarazada a la edad de 13 años, y su padre, a la edad de 15 años se había ido sin nunca preocuparse por su hija. Debido a la falta de experiencia de la madre, Billie siempre estuvo con sus abuelos o tíos. Tal vez por eso, ha tenido una infancia problemas.

En su adolescencia, huyó de la escuela muchas veces, que fue llevada a la corte juvenil. Después de ser llevado a un reformatorio, donde fue bautizado, fue a su casa. Y como si esto no fuera suficiente el sesgo debido a su color, Billie fue violado por su vecino, que afortunadamente fue detenido por la ley. A las víctimas de abuso, a 12 años consiguió un trabajo, sin embargo, a 14 cayó a ejercer la prostitución.

Decidió reiniciar su vida, trabajó en la casa de una señora, donde primero escuchó la música de Louis Armstrong y Bessie Smith. Cambiando su nombre a Billie Dove, empezó a hacer presentaciones en los clubes de Harlem. A la edad de 17 años, con la etapa nombre a Billie Holliday; que según algunos fue dado por su supuesto padre Clarence Holiday; reemplazado el cantante Monette Moore y sorprendió el productor John Hammond, quien estuvo presente en el sitio. Con esto, al año siguiente fue Juan mismo que ayudó a lanzar su primer álbum, que vendió 5 millones de copias. Durante este período, cantó con el jazz como monstruos sagrados, Teddy Wilson, Duke Ellington, Count Basie y Louis Armstrong y Artie Shaw.









En los registros de Comodoro, registró una de sus canciones más famosas en los años 30 y 40, Strange Fruit, como otros exitosos éxitos como "cubro la zona ribereña, voy a por mi vieja llama y Embraceable You, que en 2005 se colocó en el Grammy Hall of Fame.

Desde 1940, Billie Holiday, fue a beber y usar drogas, que se reflejaban en su voz y comportamiento, sin embargo, componiendo continua, jugar y tener éxito. Detenido varias veces por posesión de drogas, su carrera comenzó a declinar. Casado Louis McKay, vio el esfuerzo de su marido para intentar le tira de las drogas. Escribió su autobiografía en 1956 con el título "Lady Sings the Blues", que se convirtió en una película en 1972, protagonizada por Diana Ross.

Después de un largo período sin éxito, regresó a los medios de comunicación con excursiones inolvidables. El 31 de mayo, fue llevado al hospital con problemas del corazón y el hígado. Dos meses después, el 17 de julio de 1959, la víctima de 44 años de edad murió de cirrosis del hígado, privando al mundo del jazz, su enorme talento.


Fuente: https://allclassics.blogspot.pt/2011/05/billie-holiday. Html









Billie Holiday - Lover Come Back to Me

Billie Holiday - They Can't Take That Away from Me

Billie Holday - Swing, Brother, Swing

Billie Holiday - Willow Weep for Me

Billie Holiday - Stormy Weather

Billie Holiday - Nice Work If You Can Get It

Billie Holiday - God Bless the Child

Billie Holiday - Please Don't Talk About Me When I'm Gone





Billie Holiday - Lover Man

Billie Holiday - Don't Explain

Billie Holiday - Foolin' Myself

Billie Holiday - You've Changed


Maria Natal Guerreiro
Licenciatura em política social univer...
Escrito por Maria Natal Guerreiro
el 25/06/2013

Equipo del grupo de jazz

Maria Natal Guerreiro
Licenciatura em política social univer...
Escrito por Maria Natal Guerreiro
el 25/06/2013

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DIVERSOS DOCUMENTOS DE JAZZ


La excelencia del saxofone...!



El saxofón, también conocido como saxófono o simplemente saxo, [ 1 ] es un instrumento musical cónico de la familia de los instrumentos de viento-madera , generalmente hecho de latón que consta de una boquilla con una caña simple al igual que el clarinete . Fue inventado por Adolphe Sax en 1845 . El saxofón se asocia comúnmente con la música popular , la música de big band y el jazz . A los intérpretes del instrumento se les llama saxofonistas [ 2 ] o saxos , aunque esta última se emplea para denominar al propio instrumento. [ 1 ]


Se desconoce el origen de la inspiración que llevó a Sax a crear el instrumento, pero la teoría más extendida es que, basándose en el clarinete , instrumento que él tocaba, empezó a concebir la idea de construir un instrumento que tuviera la fuerza de uno de metal y las cualidades acústicas de uno de madera, una especie de "clarinete de metal". Pero después de un intenso trabajo de pruebas y experimentos sobre modificaciones para lograr una mayor sonoridad y un sonido más metálico, Sax se dio cuenta de que había construido un nuevo instrumento: el saxofón.

(...)

Wikipedia






Sax & Sex - Lili Was Here

Sax & Sex - I'm not In Love

Sax & Sex - Careless Whisper

Sax & Sex - A New Day

Sax & Sex - Silhouette

Maria Natal Guerreiro
Licenciatura em política social univer...
Escrito por Maria Natal Guerreiro
el 25/06/2013

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MUDDY WATERS



McKinley MorganField ( 4 de abril de 1913 - 30 de abril de 1983 ), más conocido como Muddy Waters, fue un músico de blues estadounidense generalmente considerado el Padre del Chicago blues .

Nacido en Rolling Fork , Misisipi . Fue grabado por primera vez en una plantación del delta del río Misisipi por Alan Lomax para la biblioteca del congreso en 1940 . Más tarde se mudó a Chicago, Illinois , donde cambió de guitarra acústica a guitarra eléctrica , volviéndose cada vez más popular entre los músicos negros de la época.

La forma de tocar de Waters es altamente característica dado su uso del slide . Su primera grabación para Chess Records mostraba a Waters en guitarra y vocales, apoyado por un contrabajo . Más tarde añadió percusión y la armónica de Little Walter para completar su clásica formación de blues .

Con su voz rica y profunda y su carismática personalidad, apoyado por un gran grupo de estrellas, Waters pronto se convirtió en la figura más reconocible del Chicago blues . Hasta B.B. King lo recordaría como el "Jefe de Chicago". Todas sus bandas fueron un quién-es-quién de los grandes del Chicago blues : Little Walter , Big Walter Horton , James Cotton , Junior Wells , Carey Bell en la armónica, Willie Dixon en el bajo, Otis Spann , Pinetop Perkins en el piano, Buddy Guy en la guitarra entre otros.

Las grabaciones de Waters de finales de los 50 y principios de los 60 son particularmente buenas. Muchas de las canciones que tocó se convirtieron en clásicos: " Got My Mojo Working ", " Hoochie Coochie Man ", " She's Nineteen Years Old " y " Rolling and Tumbling " son todos grandes clásicos, muy frecuentemente objetos de versiones por bandas de diferentes géneros.

Su influencia ha sido enorme a través de muchísimos géneros musicales: Blues , Rythm & Blues , Rock , Folk , Jazz y Country . Waters ayudó a Chuck Berry a conseguir su primer contrato de grabación.

Sus giras en Inglaterra a principios de la década de 1960 marcaron, posiblemente, la primera vez de una banda amplificada haciendo Hard-Rock allí (Uno de los críticos presentes señaló que se retiró al baño a escribir su crítica, ya que la música estaba demasiado alta). Los Rolling Stones se nombraron de esa manera por la canción de Waters de 1948: "Rollin' Stone", también conocida como "Catfish Blues". [ 1 ] El gran éxito de Led Zeppelin " Whole Lotta Love " está basado en la canción de Muddy Waters "You Need Love", que fue escrita por Willie Dixon , quien escribió algunas de las canciones más famosas: "I Just Want to Make Love to You," "I'm your Hoochie Coochie Man," y "I'm Ready."

Otras canciones características de Muddy Waters son "Long Distance Call," "Mannish Boy," o "I've Got My Mojo Working" (compuesta por Preston Foster).

Muddy Waters murió en Westmont, Illinois a los 70 años de edad, y fue enterrado en el cementerio de Restvale, en Aslip, Illinois , cerca de Chicago .

Se cree que fue el músico que dio origen al Rock and Roll.

Referencias
Escrito por Julian Herrera Santiago
el 25/06/2013

Marion Brown (Gif 1) - 24 06 2013


Buenas tardes a todos:


Como primera bocanada en este foro, voy a dejar algo que, muy probablemente, sólo guste a unos pocos. Se trata de un jazz que no es fácil de encontrar en los catálogos al uso.. Hablo de Marion Brown.



Línea separadora para post - 12 05 2013



En lo que se refiere a músicos trascendentes, hay dos tipos de “grandes”: los que la historia, o más bien los libros, avalan como tales, y los que necesitan ser reivindicados y/o redescubiertos. Entre los primeros, están los obvios: Miles, Coltrane, Parker, Monk… Entre los segundos, encontramos ejemplos como los de Herbie Nichols, Joe Harriott, Fred Katz... Marion Brown fue uno de los más grandes de su época y, ahora que acaba de fallecer, la necesidad de reivindicarle parece más urgente que nunca.

Marion Brown siempre fue una rareza, dicho esto en el mejor de los sentidos. Fue un hombre tranquilo en el momento más combativo del free jazz, algo que le diferenció de muchos coetáneos como Albert Ayler, Noah Howard, Pharoah Sanders, Frank Wright o el recientemente reaparecido Giuseppi Logan. Hombre culto y de una profunda inquietud intelectual, Brown estudió en el Clark College y en la Howard University antes de su llegada a Nueva York en 1962, donde llamó la atención de Ornette Coleman, Archie Shepp y John Coltrane.

Ornette fue el primero en reparar en el grácil estilo de Brown y le apadrinó en cierta forma, llegando a prestarle su famoso saxo de plástico blanco durante un tiempo. Archie Shepp le dio su primer trabajo (gracias al cual pudo al fin comprar un saxo alto propio) y, poco después, le presentó a John Coltrane, que también quedó impresionado con el joven Brown. En 1965 grabó junto a Shepp el impresionante Fire Music y, poco después, participó en Ascension de John Coltrane, un disco tan discutible como estimulante.

Pero Brown pronto abandonaría el redil de los grupos de Shepp, Sun Ra y Bill Dixon (con quienes también tocó con cierta regularidad) para iniciar una carrera como líder que, en los siguientes diez años, produjo un puñado de discos magníficos. Para empezar, sus dos primeras grabaciones para ESP, con músicos como el gran Alan Shorter, Reggie Johnson, Stanley Cowell, Sirone o Rashied Ali, el esquivo Juba-Lee que grabó para Fontana, el fabuloso Three for Shepp (su mejor disco de los 60) y su primera grabación al llegar a Europa en 1967, Porto Novo. A partir de 1970, su música se tiñó aún más de aspectos tradicionales africanos, por un lado, y de experimentación pura por otro, sin perder en ningún momento el lirismo característico de su estilo.

El ya clásico Afternoon of a Georgia Faun (1970), grabado junto a Anthony Braxton, Chick Corea o Andrew Cyrille, entre otros, inauguró una música más espiritual y reflexiva que culminaría en el asombroso Geechee Recollections (1973), disco imprescindible en el que destaca la presencia de Wadada Leo Smith. Junto a Smith, Brown emprendería algunas de las aventuras más experimentales de su carrera, como la formación del Creative Improvisation Ensemble, un dúo en el que ambos músicos tocaban varios instrumentos y que tuvo un único álbum publicado en 1970.


Marion Brown (Gif 2) - 24 06 2013



Marion Brown: November Cotton Flower

Marion Brown: La placita

Marion Brown: DJinji's Corner

Marion Brown: Fortunato

Marion Brown: Pleasant street

Marion Brown: Moment Of Truth

Marion Brown: Boat-Rock

Marion Brown: Hurry Sundown

Marion Brown: Eleven Light City Part 1

Marion Brown: Sweet Earth Flying Part 3


Marion Brown (Gif 2) - 24 06 2013


En 1974, grabó otro disco fundamental en su carrera, Sweet Earth Flying, junto a músicos como Paul Bley, Muhal Richard Abrams y Steve McCall; un título que cierra la “Trilogía de Georgia” que Brown había iniciado con Afternoon of a Georgia Faun y continuado con Geechee Recollections, y que constituye la cumbre de su carrera discográfica. Después de Vista (1975), un registro algo menos interesante, aunque enriquecido por las aportaciones de Anthony Davis, Stanley Cowell, Reggie Workman o Ed Blackwell, Brown seguiría grabando con cierta regularidad, pero sin la continuidad y dirección de esos años.

Aunque no se puede decir que Marion Brown sea un nombre oculto o un músico olvidado, la historia no se ha portado del todo bien con él. Puede que sea, en parte, por su carácter libre y por su trayectoria, tangencial a la escena del jazz, pero sin zambullirse por completo en ella casi en ningún momento. Ante todo, el saxofonista fue siempre fiel a sí mismo, explorando los aspectos de la música que más le interesaron en cada momento sin llegar a desarrollar nunca una intención de pertenecer a ninguna corriente. A partir de la segunda mitad de los 70, dedicó mucho tiempo a la etno-musicología, al estudio y construcción de instrumentos tradicionales (africanos, japoneses, etc) y a su labor docente, muchas veces enfocada a los sectores más desfavorecidos de la población afroamericana.

Algunas fuentes cuentan que permaneció inactivo desde 1990, pero lo cierto es que sus últimas grabaciones como líder son de 1992, aunque a esas alturas ya no estaba en muy buena forma. A partir de entonces, colaboró de forma muy esporádica con algunos proyectos, especialmente junto su hijo Djinji, activo miembro de la escena hip-hop de Nueva York. A pesar de su silencio en estos últimos años, Marion Brown fue objeto en 2007 de un tributo de Warn Defever y su banda His Name Is Alive, Sweet Earth Flower, una pequeña obra maestra que sirve como testamento apócrifo del gran saxofonista.

Para Brown la música era algo puro, libre y ajeno a todo el engranaje comercial que la rodea. En una especie de injusto alarde de justicia poética, ese engranaje ha propiciado que Brown sea uno de los músicos menos reeditados de la historia del jazz. La mayoría de sus discos son imposibles de encontrar, y al menos la mitad de ellos sólo han tenido una edición. Sólo el mercado japonés ha reeditado en CD sus álbumes para Impulse! , además de muchos otros que no han conocido ediciones o reediciones occidentales. Aparte de las referencias del renacido sello ESP y de ECM, las grandes obras de Brown permanecen descatalogadas en la mayor parte del mundo.

Marion Brown falleció en el 2010, no mucho después de otros importantes músicos de su época como Bill Dixon, Rashied Ali, Fred Anderson, Sirone, Noah Howard.. El free clásico se va quedando huérfano y el mundo del jazz le debe que algunos de aquellos discos vuelvan a llegar a los aficionados, para así poder dibujar una imagen más exacta de la música que se hizo en aquellos años tan convulsos y tan emocionantes. Y si alguien merece esa revisión, es Marion Brown.

Fuente: cuadernosdeJAZZ



Marion Brown (Gif 3) - 24 06 2013

Escrito por Julian Herrera Santiago
el 25/06/2013

The Andrew sisters The Andrew Sister: Fresh And Fancy-Free 1957 (Carátula) - 24 06 2013



Algo que roza el jazz por conjunción de épocas

Fresh And Fancy-Free 1957 (The Andrews Sisters)

Fresh And Fancy-Free 1957 , segundo LP que las hermanitas Andrews grabaron para el sello Capitol, abre un nuevo camino sin centrarse en el acostumbrado refrito de viejos temas. Se debe entender que el trío, cuyo apogeo fue en la primera mitad del decenio de los 40, pasado el auge, hizo muy pocos "álbumes", y aún menos Larga- duración originales.. A pesar de todo, este paquete es marca de la casa, y lleva temas de buena calidad.


The Andrew sisters (Gif 2) - 24 06 2013


The Andrews Sisters - 01 The Song Is You

The Andrews Sisters - 02 You Do Something To Me

The Andrews Sisters - 03 Comes Love

The Andrews Sisters - 04 Nevertheless

The Andrews Sisters - 05 With Every Breath I Take

The Andrews Sisters - 06 Of Thee I Sing

The Andrews Sisters - 07 Hooray For Love

The Andrews Sisters - 08 My Romance

The Andrews Sisters - 09 Tea For Two

The Andrews Sisters -10 I Could Write A Book

The Andrews Sisters -11 Let There Be Love

The Andrews Sisters - 12 Younger Than Springtime


The Andrew sisters (Gif 2) - 24 06 2013


El disco nos presenta a unas Patti Andrews, LaVern Andrews y Maxene Andrews, tan maduras, que, de un modo romántico y casi juguetón, se adentran en un estilo más sutil.. La realización y arreglos ayudan enormemente a armonizar el sonido de manera más equilibrada.

Lástima que nunca fueran capaces de vender ese nuevo sonido con el mismo éxito que el anterior. El álbum, como todos los del trío, resulta muy agradable de escuchar, al menos; eso es lo que pienso,.. Sobre todo si se sustituye el consumo de un té para dos por el más refrescante Run & Coca Cola .. A las tres les gustaba un güevo ese combinado



The Andrew sisters (Gif 1) - 24 06 2013

Maria Natal Guerreiro
Licenciatura em política social univer...
Escrito por Maria Natal Guerreiro
el 26/06/2013

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ORNETTE COLEMAN



Ornette Coleman ( Fort Worth , 9 de marzo de 1930 ) es un saxofonista , trompetista , violinista y compositor estadounidense de jazz . Figura fundacional de la vanguardia jazzística con un cuarteto en el que estaba Don Cherry , sus innovaciones en el ámbito del free jazz han sido tan revolucionarias como fuertemente controvertidas.




Biografía

Inspirado en sus orígenes por Charlie Parker , comenzó a tocar el saxofón alto a los 14 años y el tenor dos años después. Sus primeras experiencias musicales fueron en bandas texanas de R&B , entre las que estaban las de Red Connors y Pee Wee Crayton , pero su tendencia a ser original estilísticamente le granjeó hostilidades entre las audiencias y los músicos. Coleman se trasladó a Los Ángeles a comienzos de los cincuenta, donde trabajó como técnico de ascensores mientras estudiaba libros de música. Conoció a músicos con aspiraciones similares en cuanto a grala originalidad: Don Cherry , Charlie Haden , Ed Blackwell , Bobby Bradford , Charles Moffett y Billy Higgins , pero no fue hasta 1958 (tras numerosos intentos de tocar con los mejores músicos de Los Ángeles ) en que Coleman consiguió un núcleo de artistas con los que poder tocar su música. Apareció durante un breve período como miembro del quinteto de Paul Bley en el Hillcrest Club y grabó dos discos para Contemporary . Con la ayuda de John Lewis , Coleman y Cherry entraron en la Lenox School of Jazz en 1959 , y estuvieron durante un largo período en el Five Spot en Nueva York , etapa que alertó al mundo del jazz acerca de la llegada de una nueva y radical forma de hacer jazz. Desde ese mismo momento, Coleman fue calificado a partes iguales como genio y como fraude.

Entre 1959 y 1961, Coleman grabó una serie de discos para Atlantic que se han convertido en clásicos; formando un cuarteto con Don Cherry , Charlie Haden , Scott LaFaro o Jimmy Garrison en el bajo y Billy Higgins o Ed Blackwell en la batería , Coleman creó una música que influiría enormemente en muchos de los grandes improvisadores de los sesenta, incluyendo a grandes figuras como John Coltrane , Eric Dolphy y la mayor parte de los intérpretes de free jazz de mediados de los sesenta. Uno de esos discos, una jam session de casi cuarenta minutos llamada Free Jazz , fue realizado con un doble cuarteto con Coleman, Cherry, Haden, LaFaro, Higgins, Blackwell, Dolphy y Freddie Hubbard .

En 1962, Ornette Coleman, sintiéndose infravalorado por su compañía discográfica y por los clubes donde tocaba, sorprendió al mundo del jazz retirándose durante un periodo. Empezó a tocar la trompeta y el violín (tocando este último como si fuese una batería) y, en 1965, grabó con todos estos instrumentos con un trío formado por el bajo David Izenzon y el batería Charles Moffett . A finales de la década, Coleman formó un cuarteto con el saxo tenor Dewey Redman , Haden y Blackwell o su hijo Denardo Coleman en la batería. Además, Coleman escribió algunas obras atonales y clásicas para grupos de cámara y actuó en unas pocas ocasiones con Don Cherry .

A comienzos de los setenta, Coleman entró en la segunda mitad de su carrera. Formó un doble cuarteto compuesto por dos guitarras , dos bajos eléctricos, dos baterías y su propio saxo alto. El grupo, llamado "Prime Time", produjo una música densa, ruidosa y frecuentemente ingeniosa; todos sus miembros parecían tener un estatus similar, aunque Coleman tenía un papel más relevante. Coleman llamaba a su música harmolodics , simbolizando con ello la similar importancia que tenía en ella lo armónico, lo melódico y lo rítmico. Técnicamente, se la ha calificado de free funk . Entre sus acompañantes en el grupo estuvieron el batería Ronald Shannon Jackson y el bajo Jamaaladeen Tacuma , además de su hijo Denardo.

Prime Time fue una gran influencia para la música del grupo M-Base de Steve Coleman y Greg Osby . Pat Metheny (un constante admirador de Coleman) colaboró con él en Song X , Jerry García tocó como tercera guitarra en una grabación y Ornette se reunió ocasionalmente con los miembros de su cuarteto original durante los años ochenta.


Ornette Coleman ha creado su propio sello discográfico, Sound Grammar .

Fuente: Wikipedia





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Maria Natal Guerreiro
Licenciatura em política social univer...
Escrito por Maria Natal Guerreiro
el 26/06/2013

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Ilustración vectorial de una banda de Jazz con bailarines Foto de archivo - 16394137



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Escrito por Julian Herrera Santiago
el 26/06/2013

Jackie Wilson (Gif 1) - 22 06 2013



Jackie Wilson interpretaba desde temas muy rítmicos, aunque no exactamente de rock puro, hasta dramáticas baladas, realizadas con la orquesta de Dick Jacobs. Pero Wilson se encontraba a disgusto con los arreglos acaramelados compuestos por Jacobs. En aquel primer período como solista, los resultados comerciales no mantenían un ritmo constante. Lentamente, Wilson fue conquistando un mayor poder de decisión y llegó a crear canciones con un estilo totalmente nuevo. Los resultados no se hicieron esperar: ' Lonely teardrops ' (número siete en 1959), 'You better know it' y 'Talk that talk' (1959), 'Doggin' around' (1960), 'Night' (número cuatro en 1960), 'A woman, a lover, a friend' y 'The tear of the year'.


Jackie Wilson (Gif 2) - 22 06 2013


Jackie Wilson: I'm the One to Do It

Jackie Wilson: It Only Happens (When I Look at You)

Jackie Wilson: I’ve lost you

Jackie Wilson: (I Can Feel Those Vibrations) This Love Is Real

Jackie Wilson: You Brought About a Change in Me

Jackie Wilson: You Can Count on Me

Jackie Wilson: You got me walking

Jackie Wilson: You Keep Me Hanging On

Jackie Wilson: Just be sincere

Jackie Wilson: Love Uprising

Jackie Wilson: My Heart Is Calling

Jackie Wilson: Nothing but Blue Skies

Jackie Wilson: Open the Door to Your Heart

Jackie Wilson: Since You Showed Me How to Be Happy

Jackie Wilson: Soul Galore

Jackie Wilson: The Who Who Song

Jackie Wilson: Whispers (Gettin' Louder)

Jackie Wilson (Gif 2) - 22 06 2013


Wilson ya era una celebridad. Sus espectáculos conseguían incandescentes momentos de amor colectivo que rozaban la irracionalidad. En 1961 una fan desenfrenada le disparó, hiriéndole gravemente. Otra vez en activo, Wilson se destacó en este período por sus frecuentes incursiones en el campo de la música clásica: 'Alone at last' , es la adaptación moderna de un tema de Chaikovsky, mientras que 'My empty arms' es un fragmento de la ópera " Los payasos ", de Leoncavallo.

Con su estilo desencantado, sus cigarrillos consumidos con intensidad, las pausas entre tema y tema, Wilson siempre ha sabido seducir a cualquier auditorio con su voz. El último éxito discográfico de una cierta entidad fue 'Sing a little song' de 1973, muy lejos de la brillante energía de su tiempo. Su precaria situación económica le obligó a multiplicar sus actuaciones para conseguir el dinero con el que pagar la pensión alimenticia de sus dos ex mujeres.



Jackie Wilson (Gif 3) - 22 06 201

Escrito por Julian Herrera Santiago
el 28/06/2013

Claude Nougaro (Gif 2) - 27 06 2013



Claude Nougaro: Sa Majesté le jazz


Nougaro nació en Toulouse el 9 de septiembre de 1929. Hijo de un cantante de opereta y de una pianista española sobreviviente de la guerra civil al otro lado de los Pirineos.

Fue criado por sus abuelos en Toulouse, donde, a través de la radio, escuchaba a Glenn Molinero, Édith Piaf, Bessie Smith y Louis Armstrong.. Con todo, no se orienta directamente hacia la música, ya que no tenía suficiente voz para ser barítono y no tocaba ningún instrumento.. En 1947, aprueba el bachillerato y empieza a trabajar de periodista en París, escribiendo para varios periódicos.. En paralelo, escribe canciones para Marcel Amont Le coiffeur de Belleville ("el peluquero de Belleville") y Le balayeur du roi ("el barrendero del rey"), y para Philippe Clay. En ese tiempo conoce a Georges Brassens que se vuelve su amigo y guía.

Envía sus textos a Marguerite Monnot, la compositora de Édith Piaf, quien les pone música (" Méphisto, la trayectoria de la guerra "). Luego, en 1959, comienza a cantar en un cabaret parisino, Le l apin agile , (Montmartre), para ganarse la vida..

En 1962, decide cantar sus propias composiciones: " Una pequeña " y " Cecilia, mi hija" . Estas canciones le dieron rápidamente la fama, aunque su éxito comenzó cuando participaba en conciertos de Dalida. A principios de la década de 1960, introduce nuevos ritmos en la canción francesa, y mezcla canciones yeyé con textos provocativos como aquel: “ más aún que en el cuarto, te amo en la cocina. Nada es más hermoso que las manos de una mujer en la harina ”..

Y es que, en el fondo, Nougaro era un chaud lapin (cachondo).

Claude Nougaro (Gif 1) - 27 06 2013


Claude Nougaro: Sing Sing song (Work song)

Claude Nougaro: Une bouteille à la mer

Claude Nougaro: La mutation

Claude Nougaro: À tes seins

Claude Nougaro: Quatre boules de cuir

Claude Nougaro: La maîtresse

Claude Nougaro: La pluie fait des claquettes

Claude Nougaro: C’est Eddie

Claude Nougaro: Mater

Claude Nougaro: Sœur âme (Sister salvation)

Claude Nougaro: Dansez sur moi (Girl talk)

Claude Nougaro: Gloria

Claude Nougaro: Comme une piaf (Beauty and the beast)

Claude Nougaro: Autour de minuit (Round Midnight)

Claude Nougaro: E pericoloso sporgersi

Claude Nougaro: Hymne (Con alma)

Claude Nougaro: Bilboquet

Claude Nougaro: Des goûts et des couleurs

Claude Nougaro: Ça fait mal (I got it bad and that isn’t good)

Claude Nougaro: Le chat (The Cat)

Claude Nougaro: Femme orchestre

Claude Nougaro: Bleu blanc blues

Claude Nougaro: Sa majesté le jazz

Claude Nougaro: Harlem (Sur les motifs de fables of faunus)

Claude Nougaro: Prisonnier des nuages

Claude Nougaro: Façon Chaplin

Claude Nougaro: Avec les anges

Claude Nougaro (Gif 1) - 27 06 2013


Los acontecimientos de mayo de 1968 le inspiran " París mai " , cuya emisión en antena fue prohibida.. El mismo año graba su primer álbum en directo desde el Olympia, " Una tarde con Claude Nougaro ".

Su canción, " Toulouse " es un homenaje emocionante a su lugar de nacimiento donde repasa sus años de colegial.. “ Si tu cognes, tu gagnes” (si sacudes, ganas) supone la marca que le predispuso a no esperar a recibir un soplamocos para ser el primero en soltarlo..

Su carrera continúa, acentuada de éxitos como: " Le jazz et la java ", " Tu verras " (adaptación del " O que será " de Chico Buarque), " L’île de Ré ", " Armstrong ", " Le petit taureau ".. , etc..

A partir del álbum del que hoy os dedico su segunda parte: Sa Majesté le Jazz , Nougaro y Toulouse son dos términos inseparables en el vocabulario musical francés.

Falleció en París, el 4 de marzo de 2004.



Claude Nougaro (Gif 3) - 27 06 2013

Maria Natal Guerreiro
Licenciatura em política social univer...
Escrito por Maria Natal Guerreiro
el 29/06/2013

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THELONIOUS MONK


Thelonious Sphere Monk ( Rocky Mount , Carolina del Norte , 10 de octubre de 1917 - Weehawken , Nueva Jersey , 17 de febrero de 1982 ) fue un pianista y compositor estadounidense de jazz .

Su estilo interpretativo y compositivo, formado plenamente en 1947 , apenas varió en los 25 años siguientes. Pianista fundador del bebop , tocó también bajo el influjo del hard bop y del jazz modal . Es conocido por su estilo único de improvisación, así como por haber compuesto varios temas clásicos del repertorio jazzístico, destacando "Round About Midnight", "Straight No Chaser", "52nd Street Theme" y "Blue Monk".


Thelonious Monk, Minton's Playhouse, New York, N.Y., ca. Sept. 1947 (William P. Gottlieb 06191).jpg


Nacido en Rocky Mount (Carolina del Norte) , su familia se trasladó poco después a Manhattan , en Nueva York ; en ese apartamento viviría hasta el final de sus días. Comenzó a tocar el piano a la edad de seis años y, aunque recibió alguna educación musical, fue esencialmente un autodidacta; sus primeras influencias fueron dos de los grandes pianistas de corte stride , James P. Johnson y Willie "The Lion" Smith . Durante su adolescencia comenzó a trabajar en algunos rent parties tocando el órgano y el piano en la iglesia bautista . Estudió en el instituto Stuyvesant, si bien nunca llegó a graduarse.

En 1935, decidió irse de viaje a recorrer el mundo acompañando con el piano a un predicador evangelista . Después de dos años, regresó a su ciudad y formó su propio cuarteto, actuando en diversos clubes hasta que en 1941 el baterista Kenny Clarke lo eligió como pianista de la casa para tocar en el Minton's Playhouse , el legendario club de Manhattan en el que se engendraría el bebop . Su estilo en la época es descrito como "hard-swinging", con marcadas influencias de Art Tatum , Duke Ellington , James P. Johnson y otros pianistas.

Durante su estancia en Minton's , Monk fue perfeccionando su estilo único, participando en sesiones llamada "cutting competitions", con los más renombrados solistas de la época. Durante esos años, Monk entró en contacto con músicos como Dizzy Gillespie , Charlie Parker , Miles Davis , Sonny Rollins , Milt Jackson y John Coltrane , que estaban sentando las bases del bebop . En 1944 realizó sus primeras grabaciones con el Coleman Hawkins Quartet. En 1947 grabó por primera vez como líder de su propia banda, y publicó su LP de debut, Genius of Modern Music, Vol.1 , que mostraba su talento tanto para la composición como para la improvisación. Ese mismo año se casó con Nellie Smith , y en 1949 el matrimonio tuvo un hijo, T.S. Monk , que sería baterista de jazz . Su hija Barbara nació en 1953.

En agosto de 1951, fue arrestado por la policía de Nueva York , acusado de posesión de narcóticos , pues se negó a denunciar a su amigo, el también pianista Bud Powell , al que presumiblemente pertenecía la droga . Se le retiró el permiso para actuar en locales nocturnos en que se despachase alcohol (una autorización, el "New York City Cabaret Card", que era expedida por la policía). Pasó la primera mitad de los años 50 componiendo, grabando discos y actuando en teatros y giras fuera de la ciudad.

Tras grabar varios discos para Blue Note entre 1947 y 1952, firmó un contrato con Prestige , para la que grabó entre 1952 y 1954 algunos de sus discos más importantes, incluyendo colaboraciones con el saxofonista Sonny Rollins y con el baterista Art Blakey . El productor Orrin Keepnews , de Riverside Records , le persuadió de que grabase un disco con temas de Duke Ellington y otro con estándares, para que su música se hiciese más accesible al público medio de jazz . En 1956 grabó el clásico Brilliant Corners y a partir del año siguiente los cambios en su vida se sucedieron.

Monk fue contratado por el Five Spot y allí formaría parte de un cuarteto que contaría con el saxofonista John Coltrane . Como consecuencia de estas actuaciones, la crítica y el público de jazz lo reconocerían por fin como un maestro. El hasta entonces carácter único de su música, que tan difícil era de asumir por una audiencia que tenía como modelo a Bud Powell , se convirtió en 1957 en un motivo de admiración. De repente, Monk se convirtió en una celebridad y su estatus no cambiaría hasta el final de su carrera.

En 1959, su cuarteto contó con la participación del saxofonista tenor Johnny Griffin en 1959 apareció con una orquesta en el Town Hall; en 1962 firmó con Columbia y dos años después fue portada de la revista Time . Un segundo concierto con orquesta fue celebrado en 1962, resultando mejor que el primero, por lo que Monk estaría constantemente de gira durante los años sesenta con su cuarteto, ahora con el tenor Charlie Rouse .

Tocó con los Giants of Jazz durante 1971-1972, y en 1973, repentinamente, se retiró. Monk padecía de una enfermedad mental y, aparte de unas apariciones especiales a mediados de los setenta, vivió recluido el resto de su vida.

(...)

De Wikipedia






Thelonious Monk - In Walked Bud

Thelonious Monk - Round Midnight

Thelonious Monk - Epistrophy

Thelonious Monk - Relaxin' With Lee

Thelonious Monk - Straight No Chaser

Thelonious Monk - Let's Cool One

Thelonious Monk - Blues'n Boogie






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Escrito por Julian Herrera Santiago
el 01/07/2013

Count Basie (Gif 1) - 22 06 2013



Count Basie Plays Quincy Jones & Neal Hefti

Count Basie plays.. es un doble disco editado por el sello discográfico Verve. El álbum junta a tres grandes genios del Jazz: Count Basie, Neal Hefti y Quincy Jones. El primer disco recoge las tomas que hizo la Big Band de Basie junto al arreglista, compositor y productor, Neal Hefti. Para muchos críticos musicales y personas de confianza del entorno de Basie, siempre le adjudicaron gran parte del merito a este sensacional productor, sin el que la banda de Basie nunca hubiera tenido el éxito que obtuvo en los programas de televisión. Se cuenta que cuando Count Basie fue a asistir al Show de Ed Sullivan, allá por los años 50. El propio director Basie pidió consejo a Hefti para tratar de encauzar los sonidos de la Big Band.. Así lo hizo, y de una forma brillante, Neal logró sacar lo mejor de cada músico.

Durante mucho tiempo Hefti se dedicó a componer canciones para la Big Band, temas que llegaron a convertir al grupo en una de las mayores Big Band que han existido dentro del mundo del Jazz. Los sonidos del Swing resurgieran con toda su fuerza en una etapa en la que este movimiento musical estaba ya de capa caída dentro de un público que estaba pidiendo un cambio.

El paquete que incluyo es una grabación de 1962.


Count Basie (Gif 3) - 22 06 2013


Count Basie Plays Quincy Jones & Neal Hefti: For Lenna and Lennie

Count Basie Plays Quincy Jones & Neal Hefti: Rat Race

Count Basie Plays Quincy Jones & Neal Hefti: Quince

Count Basie Plays Quincy Jones & Neal Hefti: Meet B.B

Count Basie Plays Quincy Jones & Neal Hefti: The Big Walk

Count Basie Plays Quincy Jones & Neal Hefti: Square at the Roundtable

Count Basie Plays Quincy Jones & Neal Hefti: I Needs to Bee'd With

Count Basie Plays Quincy Jones & Neal Hefti: Jessica's Day

Count Basie Plays Quincy Jones & Neal Hefti: The Midnite Sun Never Sets

Count Basie Plays Quincy Jones & Neal Hefti: Muttnik

Count Basie Plays Quincy Jones & Neal Hefti: Scoot

Count Basie Plays Quincy Jones & Neal Hefti: Cute

Count Basie: One O'clock Jump

Count Basie: Down for double

Ella Fitzgerald & Count Basie: Dream A Little Dream Of Me

Count Basie: Little pony

Count Basie: Basie Boogie

Count Basie: Papa Foss

Count Basie: Prime Time

Count Basie: Tea fot two


Count Basie (Gif 3) - 22 06 2013



En el segundo álbum, las composiciones corren a cargo de otro de los más grandes arreglistas que ha tenido el Jazz; Quincy Jones, músico, productor y compositor, cuya carrera dentro del mundo del Jazz ha sido oscurecida después de que produjese discos emblemáticos como: Thriller (Michael Jackson) o The Pink Panter .. Y de haber trabajado con los músicos de más prestigio del Jazz, sea éste mascullado como swing, bebop, soul o R&B.

Si Hefti hizo que la música de Basie brillase con luz propia. Quincy Jones asentó esos sonidos, haciendo que la gran Big Band de Basie acogiese nuevas formas de interpretación. Hizo que el camino musical de Count Basie volviera a tomar el Blues como una forma más contundente de definir su estilo. Hoy en día sus grabaciones siguen teniendo un autentico sabor.



Count Basie (Gif 2) - 22 06 2